Benny, chisme emocional

En la película de Sir Wong Kar-Wai "In the Mood for Love", la vieja cantante de jazz Nata King Cole fascinó de repente al público chino. En "Pearl Harbor", fue Jazz quien interpretó la conmovedora escena de los chicos de la Fuerza Aérea reuniéndose con las enfermeras antes de partir a la guerra. También están la triste canción del cantante Johnny Hartman "Time Passes in Casablanca" de "Covered Bridge" y la fuerte canción de blues de Diana Washington "Soft Wind". En "Sleepless in Seattle", la famosa canción de jazz de Louis Armstrong "making'mhoopee", "The Way You Look Tonight" del cantante estadounidense Bennett en "The Bride Is Not Mine", "The Way You Look Tonight" protagonizada por Nicolas Cage New York, " Billie Holiday cantando "They Can't Take It Away From Me" y "The Cotton Club" de Coppola. En esta era de la música multicultural, los elementos del jazz se utilizan cada vez más, incluida la música pop, la música rock, la música clásica y el hip-pop, que es popular en todo el mundo. El nuevo trabajo de Radiohead "Little Ghost A", el saxofón de Kenny Kee, la Translation Band de Dou Wei, el nuevo álbum de Shunzi... la música está ahí... y la mariposa de alas rotas de Ding Wei... los hechos En el mundo, el encanto único del jazz ha sido familiar y amado por cada vez más personas. ¿Qué es el jazz? En pocas palabras, el jazz es una música híbrida. Entre ellos, podemos encontrar canciones populares americanas, música de soul negro y agravios, así como diversas canciones infantiles de pueblo. Esta música de "cóctel" tiene sólo cien años desde sus orígenes.

1. Cultura de fondo del origen del jazz (1. Orígenes africanos) El jazz proviene de la música negra, y la patria de la música negra es la música africana. En la cultura africana, la música se basa en una comprensión completa de la música. La vida, y esta comprensión no puede. Está en todas partes y está llena de todo, sirviendo no sólo a la religión sino a todos los aspectos de la vida, incluidos el nacimiento, la enfermedad, el trabajo y el entretenimiento. África, un continente lleno de naturaleza salvaje, es el factor más destacado e importante. Su música. Los tambores aborígenes generan naturalmente un ritmo llameante bajo el sol abrasador. Por lo tanto, este ritmo se ha convertido en el núcleo de la música africana. Su vitalidad única y su poderoso atractivo hacen que todos en el mundo sientan profundamente el impacto dinámico de la música africana. La tradición musical africana es "oral", sin discos ni convenciones, pero con un sabor local. La tradición oral genera flexibilidad y creatividad. El cantante (a menudo) inventa nuevas palabras y melodías, eso es lo que significa "improvisación". , que los artistas crean con el cerebro (y el corazón) Otra característica destacada de la música africana es la variación del ritmo, a menudo con un inicio retrasado y un acento aleatorio de las sílabas. Desde el siglo XIX hasta el siglo XIX, la trata de esclavos floreció y muchas. Los negros de todos los rincones de África fueron traficados a las Américas, la mayoría de los cuales sirvieron como esclavos. Los colonos blancos destruyeron severamente la herencia cultural negra. Bajo la opresión de la esclavitud, continuaron manteniendo tenazmente su propia cultura. , mitología y rituales religiosos, la tendencia a "modificar libremente" palabras, ritmos y estilos es cada vez más evidente. Esto es lo más preciado de su cultura nacional, transmitido de generación en generación, su parte central finalmente se conservó. Después de la liberación de los esclavos, estas culturas tradicionales se desarrollaron recientemente y finalmente dejaron una huella especial en la cultura musical blanca dominante. (2) La atmósfera cultural de tolerancia en la música africana son las raíces de la música negra. Aunque influyó plenamente en la música estadounidense convencional, la música africana no se trataba sólo de ritmo, sino de ritmo. El estatus especial del ritmo en la música afroamericana está relacionado con el hecho de que los primeros propietarios de esclavos blancos prohibían a los negros cantar y tocar el piano. La música estaba muy restringida cuando llegó por primera vez a los Estados Unidos, pero siempre hubo lugar para la música africana. Nueva Orleans estaba en una posición tan política que se decidió que tenía que ser la cuna del jazz. Desde el siglo XIX hasta principios del siglo XX, Nueva Orleans fue probablemente la ciudad menos estadounidense del país, ubicada a 80 millas de la desembocadura del río Mississippi, donde desemboca en el Golfo de México.

Priest también asume el cargo de cantante principal de la música de África Occidental, cantando de una manera dinámica, emocionante y distintiva. El canto, el alargamiento y el cambio de sílabas y patrones en respuesta a los coros y la producción de gritos y emociones son adiciones únicas a la ofrenda del negro a Dios. En la segunda mitad del siglo XIX, el estilo de la música negra se había desarrollado rápidamente y también estaba influenciado por la música africana y la música tradicional traída por los estadounidenses blancos de Europa. La combinación de canciones laborales e himnos negros formó un estilo único de canción folclórica negra, del que surgió la música blues. El blues fue originalmente principalmente una narración vocal y luego tuvo acompañamiento instrumental. Se acompaña principalmente de una sola pieza musical, como una guitarra o un banjo, y se alterna la melodía instrumental y el cantante. Tiene características rítmicas obvias y conserva las características de la improvisación colectiva. En la década de 1920, la música blues surgió gradualmente con sus letras únicas, su ritmo armonioso y su melodía melancólica. La música blues contiene mucho lenguaje poético que se repite una y otra vez y luego termina con una línea decisiva. La melodía se basa en acordes, con I, IV y V como acordes principales y 12 compases como patrón. En la melodía, las notas tercera, quinta y séptima de la melodía principal se bajan un semitono, lo que hace que la gente se sienta agridulce y sentimental. Como forma musical, el blues puede parecer simple, pero en realidad puede ser infinitamente variado. Siempre ha sido una parte importante de cualquier tipo de jazz y ha logrado mantener su propia existencia independiente. ¿Puedes decir eso? Tenía miedo de tocar la batería y no saber lo que estaba haciendo. br gt Blues fue creado para expresar las emociones personales del cantante, lo que brinda a los músicos la oportunidad de expresar sus amores, sus odios, sus actitudes hacia el trabajo, etc. El famoso cantante de blues Brown Marks dijo una vez: "Nunca uso mi imaginación para escribir música. El blues no es un sueño, sino una realidad. El blues en sí es un estado de ánimo, música para la gente corriente y música de la vida". Y su contenido incluye mucho, y es el reflejo más auténtico; la resistencia ante la injusticia, el anhelo de belleza y de amor, la depresión tras los reveses, la catarsis emocional al mismo tiempo, el humor, el autodesprecio y, en ocasiones, hasta las sonrisas llorosas; (2) La música Ragtime REGTIME en sí no tiene discriminación de color. Al principio todos los bardos eran blancos. Se pintaron la cara de negro e imitaron y distorsionaron el canto de los músicos negros. Los músicos blancos pobres del campo a menudo tocaban canciones populares europeas y música de inmigrantes exclusiva de la Luisiana francófona. Después de la Guerra Civil, cuando los soldados se desmovilizaron y regresaron a casa, poseían música militar a un precio bastante bajo. El crecimiento del equipo de música instrumental significa la madurez de la música negra. A medida que los estadounidenses negros se trasladaron a ciudades como Memphis y Nueva Orleans en busca de trabajo, el blues se convirtió gradualmente en un fenómeno más urbano. En 1900, debido a la fusión e infiltración mutua de la música, se formó en Nueva Orleans la música llamada "Escuela de Nueva Orleans", que se llamó "Música de la Era Rag". Como se mencionó anteriormente, muchos músicos negros y criollos eran extremadamente talentosos. Interpretan música clásica europea y canciones populares con gran habilidad. En aquella época, estos músicos tocaban en burdeles y tabernas ante una multitud de personas con pocos conocimientos musicales. En un ambiente de borrachera, comenzaron a modificar sus temas e incluso a componer sus propios temas. El pianista puede tocar libremente y desviarse del formato fijo a voluntad. Lo hacen casi por venganza. Debido a los largos horarios de actuación (desde primera hora de la tarde hasta primera hora de la mañana), es posible que estos artistas indisciplinados se cansaran de los estrictos estándares musicales y comenzaran a crear nuevos e interesantes formatos rítmicos. El pianista "de burdel" desarrolló dos modos - "síncopa" e "improvisación" - que eran señas de identidad de la "música de la época". A principios del siglo XX, la "música de la era rag" ya exhibía el estilo principal de la música precursora del jazz estrictamente de Nueva Orleans. La "música de época" comenzó a definirse claramente como un estilo único de tocar el piano. Es complejo, tiene un ritmo estricto y está adornado con "citas" de música clásica. Sin embargo, en manos de pianistas criollos y negros de clase baja, los ritmos estrictos de la música clásica se alteraron o incluso colapsaron por completo, lo que parecía un poco una broma, de ahí el nombre "Ragtime". La edad de oro del ragtime se produjo aproximadamente entre 1898 y 1908, pero su período de tiempo fue en realidad muy largo y su influencia interminable.

3. El proceso de desarrollo del jazz El jazz temprano (1900-1917) tiene canciones pop AABA con 32 compases y 4 frases. Hay temas de ragtime con cuatro compases y dos tonos; y temas de blues instrumental con 12 resúmenes. La música ragtime tiende a tener un tempo armónico más rápido que las otras dos. La música blues tiene los ritmos armónicos más lentos, pero sus líneas melódicas solistas tienen más inflexiones, diferentes notas de inicio y muchos cambios de tono. Las primeras bandas de jazz tenían un promedio de ocho músicos. La banda de jazz al estilo de Nueva Orleans incorpora dos instrumentos en su forma de conjunto. A veces se añaden cornetas e instrumentos rítmicos, a veces se añaden violines como voces principales. Durante la actuación, no sólo el solista sino todos los miembros de la banda improvisan. Su mutua condescendencia y cooperación espontáneas estaban limitadas únicamente por la estructura de la progresión de acordes. Este nuevo sonido podría ser identificado por cualquier público como "jazz" de principios del siglo XX. En 1917, la palabra "jazz" apareció por primera vez en la vida de las personas; este año es reconocido como el "Año del Jazz". Desde entonces, el jazz, una música clásica negra, ha influido gradualmente en todo el mundo de la música pop moderna. El jazz en aquella época era más una música de acompañamiento de baile, y todavía no se había formado una buena teoría para entrar en el palacio de la elegancia. Sin embargo, a medida que pasa el tiempo, los músicos de jazz continúan explorando e innovando, formando un conjunto completo de teorías de la música de jazz, creando más de diez tipos y estilos de música de jazz y gradualmente convirtiéndose en música convencional en las salas de música del mundo. Algunos profetas incluso dicen: "En los próximos 50 años, la música sufrirá cambios más profundos y se puede dividir a grandes rasgos en dos categorías: no improvisación e improvisación; esta última estará representada por la música jazz. Siempre habrá un grupo que". derroca al otro. Un grupo que mantiene vivo el jazz. A principios del siglo XX, el jazz siguió siendo una forma musical local en Nueva Orleans hasta la Primera Guerra Mundial. En la década de 1920, debido a la popularidad del jazz, se conoció como la "Era del Jazz" y se hizo popular la improvisación colectiva de una famosa banda de jazz de Dixieland compuesta íntegramente por gente blanca. El surgimiento de la Creole Jazz Band y su conmovedor corneta Louis Armstrong (un modelo del jazz de Nueva Orleans) reescribió el jazz, y los conjuntos colectivos comenzaron a hacer la transición a formas solistas. En las décadas de 1930 y 1940, el jazz entró en la "era de las big band", también conocida como "era del swing", bajo el liderazgo del clarinetista Benny Goodman. Durante este período, el jazz se convirtió en la corriente principal de la música popular y su función principal era el baile. "La música swing es muy popular. La música swing rompió la forma original de organización de las bandas, aumentó el número de bandas a veinte o treinta y las dividió en saxofón y saxofón. ¿Cuál es la clasificación? ¿Semillas femeninas de salvado de arroz arroz disprosio? ¿Qué sucede contigo? ¿La puerta estaba abierta? ¿Huang Zhong? "Blues" para crear "Classic Blues" A mediados de la década de 1940, la música swing comenzó a carecer de originalidad musical y en ocasiones perdió su personalidad artística para complacer al público blanco. Se puede decir así que el bebop jazz, representado por el saxofonista Charlie Parker. Fue un período loco del jazz. Los músicos de jazz rompieron las limitaciones del "swing" y crearon el jazz "Bibop", que ignoraba la melodía y buscaba una excelente improvisación basada en la interpretación de acordes complejos. El jazz ya no era adecuado para la danza. y al retirarse del escenario popular, al mismo tiempo continuaron desarrollándose diversas formas de jazz, "Dixieland" revivió y el jazz recibió una atención sin precedentes. En las décadas de 1950 y 1960, el jazz entró en un período de creación libre. "Bipopo" y "Cool". El jazz "Bipopo" se convirtió en la corriente principal del jazz, pero al mismo tiempo enfatizaba los tonos relajantes y los arreglos de "jazz frío", también conocido como "jazz", surgieron en la costa oeste. y alcanzó su apogeo a mediados de la década de 1950. Sin embargo, la influencia del "hard-than-pop", otra alternativa que enfatizaba la composición de canciones soul, superó a la del "than-pop". Posteriormente, la fusión del "free jazz" atonal. La música primitiva africana y los elementos del modernismo europeo realmente impulsaron el progreso del jazz e impresionaron al público. En los años 60, el "free jazz" alcanzó su apogeo.

La aparición sucesiva de los géneros "pop", "bebop", "cool" y "free" allanó el camino para una mayor "evolución, experimentación e imaginación" en la música moderna. Entonces, ¿hacia dónde va el jazz a partir de aquí? Este es el segundo concepto de "Negación-Innovación": innovación. La negación en sí misma significa innovación, pero innovación significa que volverán a aparecer nuevos fenómenos. El jazz comenzó a extenderse por el mundo después de absorber todos los nutrientes de la música estadounidense. Sin embargo, a su paso por América Latina, el momento se sumó a la gloriosa historia del jazz. El jazz latino, la música latina más popular y el comandante supremo de la música pop, el jazz, choca con chispas bajo la luz del halo. La música latina, conocida por su ritmo, se combina con el jazz, que se caracteriza por el ritmo. Por tanto, el ritmo del jazz latino es incomparable a cualquier música. En particular, la Bossa Nova de Brasil combina el ritmo latino del mambo con el jazz frío, y los colores de la percusión deslumbran a la gente con nuevas imágenes de ritmos sincopados. En las décadas de 1970 y 1980, el jazz entró en la era del "jazz fusión". Los músicos introdujeron el rock, el ritmo, el blues, el funk bass y el pop en el jazz, añadiendo instrumentos electrónicos sintetizados a sus actuaciones. El jazz comenzó a regresar en los años 1980. "Fusion" se volvió popular y otros músicos buscaron inspiración en la era pre-pop, y nació "New Pop". En la década de 1990, los "neoclásicos" crearon música depresiva, sobria y minimalista, que iba en contra de la tradición romántica del jazz. Hoy en día, casi todos los estilos de jazz están activos en escena. El jazz tiene una vitalidad fuerte y duradera Después de cien años de evolución e integración, el jazz ya ha superado las restricciones raciales y nacionales y se ha extendido ampliamente por todo el mundo. Hoy en día, el escenario principal del jazz también se ha trasladado de Estados Unidos a Europa, extendiéndose a todas partes del mundo, convirtiéndose en una música mundial, amada por los melómanos de todo el mundo.

Los cuatro géneros principales del jazz, aunque la industria discográfica moderna a veces divide el jazz en jazz tradicional y jazz moderno. El jazz tradicional se refiere al jazz con obras relacionadas interpretadas por bandas de música 4/4, mientras que el jazz moderno se refiere. con música de jazz tocada por el bajo. Este desacuerdo a veces parece incuestionable. Según este estándar, es casi imposible decir si la música de Kenny King es más jazz moderno que la de Hill Taylor. De hecho, los dos conceptos relacionados de tradicional y moderno no son precisos al dividir los tipos de jazz, lo que ha causado el problema de que algunas obras excelentes con estilos tanto moderno como tradicional no se pueden clasificar, porque el jazz ha cambiado en los últimos 100 años. El desarrollo es continuo.

Varios estilos y escuelas también tienen sus interrelaciones, que generalmente se pueden dividir en los siguientes 19 estilos:

Representantes del estilo de la época

1910'-1920'

Ragtime Carlos Barbosa-Lima Dick Baker Burt Bales

1910'-1930'

Nueva Orleans Louis Armstrong Big Bill Bissonnette· Henry "Red" Allen

1920'-1930'

Clásicos (Jazz clásico) Coleman Hawkins Fatsvale Louis Armstrong

1920'-1930'

Dixieland (Sir Dixieland) Eddie Condon Bob Crosby Charlie Tea Garden

1915-1960'

Estándares (Mainstream Jazz) Bing Crosby Dee Dee Bridgewater Nina Simone

1920'-1940'

Cool Jazz Dave Brubeck Lester Youngstein Getz

1930'-1940'

Big BandFrank Sinatra Benny Goode Duke Ellington

1940'-1960'

Bessie Louis Armstrong Ella Fitzgerald

1940'

Pop Charles Mingus Oscar Peterson Sonny Rollins

1940'

Latín (Jazz Latino) Tito· Puente Ray Barreto Thelonious Monk

1940'-

Jazz Brasileño Lisa Honor Asim Luis Bonfe

1950'

Vanguardia Cecil Taylor Charlie Hayden Max Roach

1950'-

Post-ola Jazz popular o convencional Elvin Jones George Benson Gil Evans

1950 '-1960'

Tercera corriente (tercer género jazz) John Lewis· Theo Mergent Schuller

1950'-1960'

Hard Bop Art Blakeyelvin Jones Thelonious Monk

1960'-

Free Jazz Chick Corea John Coltrane Coleman

1960'-

Fusión Miles Davis Marvin· Guy Wayne Short

1970'-

Crossover Jazz Bill Evans George Benson Quincy Jones

Cantante de jazz Billie Holiday Ella Fitzgerald George Gershwin

Aquí presentaremos varios estilos de jazz más influyentes.

Aunque el jazz de Nueva Orleans creó un conjunto de improvisación, a medida que el jazz se hizo más popular en la sociedad estadounidense en la década de 1920, la demanda de jazz requirió más bandas de acompañamiento. Si se usa como adjetivo, swing generalmente se refiere a un sentimiento, una sensación de síncopa del jazz y un sentimiento de swing, ya que los remakes se diferencian de la música clásica. Este sentimiento suele ser uno de los criterios para juzgar si una pieza musical es jazz. Entonces, la gente a veces escucha cosas como: el material de Keith Jarrett no es suficiente para el swing, o el swing no se balancea, etc. , es convertir el swing en un criterio de juicio. En la década de 1930, la big band a menudo se llamaba swing, o se traducía como música swing, y en la década de 1930 también se la conocía como era Swing. (También se dice que fue desde mediados de la década de 1930 hasta 1946. Si el jazz estaba en su infancia antes de la década de 1920, se hizo popular en la década de 1930. A principios de la década de 1930, debido a la industria popular (como Con el desarrollo de los fonógrafos , radios y discos), el centro del jazz se trasladó de Chicago a Nueva York.

Cuando la base de consumidores estadounidenses intentó salir de la depresión económica posterior a la Primera Guerra Mundial, los músicos de jazz perdieron la oportunidad de actuar solos (o en pequeños grupos), por un lado, pero, por otro, esto condujo al surgimiento de grandes grupos. banda El estilo de actuación es más popular. Después de mediados de la década de 1930, las grandes bandas de swing se habían convertido en los maestros de la música popular, una tendencia que no comenzaría a desvanecerse hasta mediados de la década de 1940, con las batallas finales de World Domination II. Este período de dominio de la escena de la música pop por parte de grandes bandas de rock a menudo se conoce como la Era del Swing. Durante la época dorada del jazz, las estaciones de radio transmitían grabaciones de grandes bandas de swing, y los bares, salones de baile y otros lugares de actuación estaban ocupados por grandes bandas. Incitados por su música, los estadounidenses bailaron a través de recesiones, disturbios laborales y guerras mundiales. La banda de Count Basie era una gran banda. Además del fuerte ritmo, su banda también incluía a muchos músicos famosos, incluida la música y los músicos de Count Basie, y también se convirtió en la futura avanzada del bebop. Algunos incluso creen que él es el verdadero padre de Bebop.

Bebop "Bebop" es un estilo musical nuevo y radical que se originó a partir de las sílabas sin sentido (o gritos sin sentido) que los músicos de jazz hacían mientras practicaban o tarareaban melodías instrumentales. El jazz popular comenzó a desarrollarse gradualmente a principios de la década de 1940 y se desarrolló rápidamente alrededor de 1945. Las frases de Bibopop a menudo terminan abruptamente, con un patrón de sonido único "largo y corto" al final, y este ritmo a menudo se tararea como "Libop" o "Bibopop". El término apareció impreso por primera vez como el título de "Salty Peanut Bebop" de Gillespie VI en 1945 en Nueva York. Bebop se desarrolló en la era del swing. Los saxofonistas tenores Lester Young y Don Bias, los pianistas Arthur Tatum y Nat Cole, el trompetista Roy Eldridge, Earl of Bath Rhythm Section, Charlie Parker, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, Miller Davis y Bud Powell. La música bebop suele ser interpretada por pequeñas bandas de jazz formadas por entre 3 y 6 personas. No utilizaban notación musical, que fue el criterio que utilizaron para resistirse al uso de partituras adaptadas en la música swing. El procedimiento consiste en tocar la melodía una vez en su totalidad (dos veces en el caso de un blues de 12 compases), seguido de varios estribillos solistas improvisados ​​acompañados de una sección rítmica (normalmente piano, contrabajo y batería), y luego repetir la melodía. primero Una melodía de estribillo finaliza toda la canción. La sección rítmica repite los patrones armónicos a lo largo de la canción (incluidas las variaciones) de principio a fin para mantener la estructura de la música.

A finales de los años 40 y 50, el cool jazz evolucionó directamente a partir del Jimbo jazz. Este estilo musical es esencialmente una combinación de algunas características pasadas por alto y abandonadas del jazz y el swing populares. Los sonidos disonantes se volvieron más suaves y naturales, las melodías más suaves, los arreglos recibieron un énfasis renovado y los instrumentos rítmicos se tocaron de manera más armoniosa. Algunas personas lo llaman genial y otras lo llaman genial. Este es principalmente un estilo de interpretación atractivo y genial que es diferente del bebop. A principios de los años cincuenta, algunas personas no podían soportar la presión del bebop, por lo que lo cambiaron ligeramente, ralentizando los rápidos cambios de acordes y la velocidad de ejecución. O algunos desaceleraron mucho. La característica principal es que no es tan angular como el bebop y es un estilo musical tranquilo y suave. Generalmente se basa en la costa oeste. El llamado jazz de la costa oeste generalmente se refiere a música genial. Si tuviéramos que hablar del origen, sería la colaboración de Miller Davis y Gil Avners de 1949 "The Birth of the Cool" (Capitol), pero la mayoría de los músicos que siguieron este estilo de música procedían de Cisjordania. En general, la vida del cool fue corta. Se convirtió en una forma generalizada de tocar en la década de 1950, pero rápidamente fue eclipsada por el hard-bop, aunque algunos músicos aún destacaban algunos elementos del cool. Miller Davis, Lee Konitz de hace 49-50 años, el material de Stan Getz de hace 60 años es genial, puedes consultarlos.

La década de 1960 fue un período oscuro de desilusión. La gente utiliza el arte para escapar del escrutinio de las responsabilidades sociales y perseguir sus propios deseos. De todas las formas de arte, el jazz puede ser el borracho más desinhibido.

El swing, el chill, la dureza y la improvisación han hecho que esta música sea imposible encontrar su trayectoria, y uno simplemente no puede imaginarse hacia dónde saltará mañana. Fue a partir de este imprudente laissez-faire que surgió el free jazz. Tan pronto como apareció esta nueva música, los músicos y fanáticos del jazz la amaron profundamente. El free jazz se diferencia del jazz del pasado en que no existen muchas restricciones en cuanto a armonía y melodía. Los jugadores pueden jugar libre, audaz y arbitrariamente durante el juego. El free jazz tiene un concepto de ritmo completamente nuevo en el que los tiempos y la simetría se alteran por completo. Al mismo tiempo, también enfatiza la intensidad y tensión de la música en sí, agrega una gran cantidad de disonancia, integra diferentes músicas de África, India, Japón y Arabia, y utiliza el sitar indio, el doble tambor de tabula y el piano de pulgar agrandado. , Sirenas y un sinfín de instrumentos electrónicos y de percusión. Como resultado, algunas bandas de free jazz parecen una vanguardia que no es jazz. El free jazz tuvo un profundo impacto en el desarrollo del jazz en la década de 1960.

Fusion Fusion significa fusión, por lo que de hecho cualquier tipo de elemento musical puede considerarse fusión, pero en términos generales, fusoin se refiere a: fusión de jazz-rock, otros como la unión de música brasileña se llamarán: bossanova. , el concierto ruso se llamará Russian-Jazz. En la década de 1960, el jazz ya no era popular. El jazz que se recibía al encender la radio en los años 30 ha sido reemplazado por el rock and roll de los años 60, y el mercado determina la vida de los músicos. Por ello, ante la presión comercial, Miller Davis comenzó a añadir elementos del rock and roll al jazz. Tanto la música rock como el jazz provienen del Rhythm and Blues, la música gospel, las canciones laborales y el Rhythm and Blues. Por lo tanto, el proceso de combinar estas dos cosas es bastante natural. Al menos no hay demasiados cambios en términos de contenido musical. A mediados de la década de 1960, Tony Williams, miembro de la sección rítmica del Segundo Quinteto, comenzó a añadir algunos ritmos de rock a su batería. Después de mediados de la década de 1960, muchas personas comenzaron a unirse a esta tendencia, incluidos Gary Burton, Larry Collyer, Herbie Hancow, Keith Jarrett y Freddie Hubbard, Charles Lloyd, Don Ellis y muchos más. Los álbumes importantes que jugaron un papel principal fueron los tres álbumes de Lao Mai: "Filles de Kilimanjaro" (de manera silenciosa) y "Bitches Brew" (que introdujo el rock and roll con la batería. El método de tocar el bajo también cambió). Las guitarras eléctricas y los teclados también se suman a la escena del jazz. La formación de estos álbumes incluía a Herbie Hancow, Chick Corea, Joe Zawinul, Wayne Shorter, John McLaughlin, Tony Williams y Larry Young, quienes también Future formaron sus propias bandas de fusión, como Head Hunter, Retreat to Forever, etc. Además, "Weather Forecast", compuesta por Joe Zawinul y Wayne Shorter, también incorpora música folclórica de Europa Central. En resumen, la fusión representó una salida a la persecución del jazz por parte del mercado, que ahuyentó a muchos fanáticos fundamentalistas del jazz, pero también atrajo a algunas nuevas generaciones a unirse a las filas de los oyentes de jazz de la época.

Verb (abreviatura de verbo) Características del Jazz Una de las características del jazz es su diversidad. En primer lugar, tiene una variedad de estilos. Ha estado cambiando casi continuamente desde hace 100 años. Hay una docena de líneas gruesas e innumerables líneas finas en cada estilo de jazz. Este es también un atributo de la música popular. El segundo son los cambios en el proceso de interpretación, de los cuales la improvisación es una característica típica. El jazz generalmente tiene un marco temático en el conjunto de cada persona, y luego bajo un cambio de acorde fijo, se toca el nivel de improvisación de cada músico, y solo tienen una partitura del tema principal.