¿Cuáles son las características de la ópera italiana?

La primera ópera representada en 1.1597: Daphne, libreto de Linuccini y música de Perry. Debido a que la partitura de esta obra era sólo un fragmento, generalmente se representaba en 1600, intacta, con libreto de Linuccini y música de Perry y Caccini.

2. Características de las primeras óperas: El guión se basaba en la mitología griega, y posteriormente se añadieron temas históricos. La parte musical es en forma de continuo y la parte de canto es principalmente en forma de recitación. El rango vocal no es amplio, el ritmo es libre, hay un pequeño número de acompañamiento de instrumentos musicales y también se utiliza coro.

Ópera Romana:

1. Figuras y obras representativas: el compositor romano Cavalleri (hacia 1550-1602), que creó "La Oración del Ánima" (edi Corpo), representada en febrero. 1600 sentó las bases de la ópera romana. En realidad, los historiadores consideran La Encarnación del Espíritu y la Carne como un oratorio, que tiene los rudimentos de una ópera y trata sobre la moral religiosa.

2. Características: Concéntrese en el placer que brindan las espectaculares escenas de ópera y agregue un magnífico diseño de escenario, escenografía institucional y escenas de ballet. Cada escena termina con coro y baile.

Ópera de Venecia:

1. El establecimiento del primer teatro de ópera: San Casiano construyó el primer teatro de ópera en Venecia en 1637. La transición de los salones y cortes aristocráticos a los burgueses.

2. Figuras y obras representativas: En 1607, el escritor de ópera veneciano Monteverdi completó la creación de la ópera "Oflo". El tema de la ópera es similar a la semejanza de "Eurídice" de Leonuccini. En la obra, Monteverdi se basó en su rica experiencia en la creación de música pastoral y religiosa, combinada con el uso de diversos métodos en el tesoro musical del siglo XVI, para hacer de "Flo" la primera ópera verdadera en la historia de la ópera.

3. Características: Las óperas hacen un uso extensivo de arias y dúos, se centran en la expresión emocional, se centran en el canto del bel canto y rara vez utilizan coros. Por primera vez, la familia de instrumentos de cuerda asumió un papel importante, potenciando así el poder expresivo de la música.

Ópera de Nápoles:

1. Desarrollo en dirección a la ópera: Nápoles es la última ciudad de Italia en la que se desarrolló la ópera. Se inició a finales del siglo XVII. En el siglo XVIII se convirtió en la Ópera Seria. La influencia duró hasta el siglo XIX. A menudo basados ​​en historias ficticias o hechos heroicos, y debido a la búsqueda del bel canto, los cantantes "eunucos" que tienen una gran capacidad pulmonar masculina y voces femeninas suaves y brillantes son muy populares.

2. Figuras y obras representativas: Alemandro Scarlatti (1660-1725), representante de la escuela de música de Nápoles, creó arias de libre desarrollo basadas en el lirismo de la música vocal, dando al Bel Canto un estilo de canto. un amplio espacio para exhibición. La figura representativa es Teodora.

3. Características (también las características de la ópera):

1) En términos de contenido, la mayoría de ellas se basan en mitos antiguos y leyendas históricas, y el contenido es serio. a diferencia de la comedia.

2) En términos de estructura, la ópera original de cinco actos se cambió a una estructura compacta de tres actos, con interludios cómicos (Intremezzo, representado en la entrada del escenario) a menudo intercalados entre actos. Comienza con una obertura muy singular (forma de tres partes rápido-lento-rápido), alternando recitativo y aria desde el principio, con poco uso de dúos y coros, y sin baile.

3) Dos recitados diferentes: uno es recitado seco, utilizado para diálogos largos o monólogos, con acompañamiento únicamente de continuo para la parte solista, el otro es recitado con acompañamiento, que es bueno para expresar emociones complejas también; utilizado en escenas dramáticas y tensas. El solo está acompañado por una orquesta.

4) Aria Mirando hacia atrás: Esta aria está en la forma Aba de tres partes. Los compositores generalmente dejan de escribir la sección A reproducida y solo marcan el final de la sección B con da capo, es decir, repetir desde el principio, pretendiendo estar "de regreso al principio", y marcan el final con multa (es decir, terminar). [Editar este párrafo] En el desarrollo de la ópera a finales de 2017, ¿quién es la persona más influyente en Roma? 6?1 La escuela de ópera napolitana representada por Scarlatti. Esta escuela no utilizó escenas de coro ni ballet en la obra, pero desarrolló mucho la técnica de canto solista conocida como "Bel Canto" por las generaciones posteriores. Cuando este estilo "sólo para cantantes" llega a los extremos, la expresión dramática original y la connotación ideológica de la ópera casi se pierden.

Por lo tanto, en la década de 1820, surgió el género de ópera Xi con la vida cotidiana como tema, tramas humorísticas y música sencilla. La primera obra representativa de la ópera cómica italiana es "Ama de casa como ama de casa" de Paglasi (estrenada en 1733), que originalmente era un interludio de ópera. Cuando se representó en París en 1752, fue difamada por los conservadores, lo que desencadenó el famoso "Debate de la Ópera Cómica" en la historia de la ópera. La primera ópera cómica francesa, "El adivino del pueblo", escrita por Rousseau, se inspiró en este debate y en esta ópera.

La ópera italiana se transformó por primera vez en Francia y se combinó con la cultura nacional francesa. Lu Li es el fundador de la ópera francesa ("tragedia lírica"). No sólo creó melodías solistas estrechamente integradas con el francés, sino que también fue el primero en aplicar escenas de ballet a la ópera. En Inglaterra, Purcell creó la primera ópera nacional inglesa, Didon y Eneas, basada en su tradición del teatro de máscaras. En Alemania y Austria, Haydn, Dieterdorf, Mozart y otros convirtieron las óperas populares en óperas nacionales alemanas y austriacas, incluida "La flauta mágica" de Mozart. En el siglo XVIII, Gluck insistía en que las óperas debían tener un contenido profundo, la música y el drama debían estar unificados y la interpretación debía ser sencilla y natural. Sus pensamientos y obras como "Oflo y Eurídice" y "La Efigenia de Orid" tuvieron una gran influencia en el desarrollo de la ópera posterior.

Después del siglo XIX, maestros de la ópera italiana como G. Rossini, G. Verdi, G. Puccini, el alemán R. Wagner, el francés G. Bizet y los rusos M.I Glinka, M.P Mussorgsky, P.N Tchaikovsky, etc. han hecho importantes contribuciones al desarrollo de la ópera. La opereta, formada en el siglo XVIII, evolucionó y se convirtió en un género independiente. Sus características son: estructura corta y música popular. Además del solista, dúo, coro y baile, también utiliza el inglés popular. Los fundadores de este género son el compositor austriaco Sobel y el compositor francés Erwin Bach de Alemania.

Entre los compositores de ópera del siglo XX, Richard Strauss (Salomé, der rosenkavalier) fue uno de los primeros representantes influenciados por Wagner. Después de la Primera Guerra Mundial, fue Berger (Wozek) quien aplicó el principio de atonalidad a la creación de ópera a partir de los años 40, estuvieron: Stravinsky, Prokofiev, M. Moon, Manotti, Barbiere, Orff, Janus Della, Henze, Moore y; el famoso compositor británico Britten. [Editar este párrafo] Clasificación del canto de ópera

Los roles que desempeñan los cantantes se clasifican según sus diferentes habilidades, flexibilidad, fuerza y ​​timbre. Los cantantes masculinos se pueden dividir en bajo, barítono, tenor y tenor/tenor de menor a mayor. Las cantantes se dividen en contralto, soprano y soprano de menor a mayor. Las sopranos también se pueden subdividir en sopranos coloratura y sopranos líricas. Básicamente, las voces masculinas tienen un rango más bajo que todas las voces femeninas, pero algunos tenores en falsete pueden cantar en el rango alto. El canto de tenor en falsete se ve a menudo en papeles de eunuco escritos en la antigüedad.

Después de clasificar por rango vocal, se suelen añadir algunos adjetivos sobre el canto, como soprano lírica, soprano dramática, soprano solemne (soprano spinto), coloratura soprano (soprano coloratura), soprano soubrette, etc. Si bien estos términos no describen completamente una voz, a menudo pueden categorizar diferentes voces y ubicarlas en diferentes roles. Las voces de algunos cantantes cambiarán repentinamente mucho, o sus voces alcanzarán un estado maduro y sobresaliente cuando lleguen a los treinta o incluso a la mediana edad.

Utilización de la clasificación de voces

La soprano siempre ha sido la mejor opción para la mayoría de las heroínas de la ópera. Pero antes de la época de la música clásica, el primer requisito para las sopranos era la tecnología de control de la voz, no el amplio rango requerido hoy en día, la nota más alta de una soprano a menudo no superaba el La alto [21]. El término mezzosoprano es un concepto relativamente nuevo, pero puede interpretarse en muchos papeles, como Dido en las obras de Purcell y Bran en "Tristán e Isolda" de Wagner. ne)[22]. A menudo hay menos roles para cantar para los altos. Los expertos suelen bromear diciendo que un contralto sólo puede cantar "brujas, perras y pantalones". En los últimos años, muchos papeles originalmente cantados por altos o eunucos han sido desempeñados por tenores en falsete.

Por otro lado, los tenores han sido los protagonistas de las óperas desde la época de la música clásica.

Muchos de los papeles de tenor más desafiantes provienen del período del bel canto, como los nueve C consecutivos de Donizetti para el personaje principal en "La hija del régimen". Wagner exigía que sus tenores protagonistas fueran más pesados ​​que los tenores ordinarios, e incluso inventó una nueva palabra "Heldentenor" para describir este tipo de papel. Lo mismo ocurre con los papeles de la ópera italiana, que son equivalentes a los requisitos de Wagner, como el Calaf de Puccini en Turandot; . El bajo tiene una larga historia. En la era de la ópera, desempeñaba el papel de un papel secundario, a menudo un personaje divertido para entretener al público. También hay muchos papeles que el bajo puede desempeñar, como Leigh Borrello en "Don Giovanni" de Mozart y el rey Watan en "El anillo del Nibelung" de Wagner. Entre el tenor y el bajo, también está el barítono, un concepto que surgió recién a mediados del siglo XIX. Esto es cierto para personajes famosos como Guillermo en "La mujer" de Mozart y Rodeo en "Don Carlo". [Editar este párrafo] La parte vocal de una ópera vocal incluye solista, dúo y coro. La letra son las líneas de los personajes de la obra (dependiendo del estilo, también pueden ser habladas). preludio o obertura al comienzo de la obra, y las primeras óperas también tienen dedicatorias (incluidas las voces). En cada escena, la música instrumental no sólo sirve de acompañamiento al canto, sino que también sirve de vínculo entre lo anterior y lo siguiente. A menudo hay interludios entre escenas, o cada escena tiene su propio preludio. La danza también se puede insertar en el desarrollo de la obra. La estructura musical de una ópera puede estar compuesta de piezas musicales relativamente independientes o puede ser una estructura unificada que se desarrolla continuamente.

Los estilos vocales importantes en la ópera incluyen el recitativo, aria, aria, recitativo, dúo y coro. Sus géneros incluyen ópera, ópera cómica, gran ópera, zarzuela, zarzuela, comedia musical, ópera de cámara, musicales, etc.

Aria

Aria es el aria principal de una ópera en la que el protagonista expresa sus emociones. Su música es muy agradable y tiene una estructura relativamente completa, que puede mostrar las habilidades vocales del cantante. Por eso los escuchamos a menudo en conciertos, como el aria "Sunny Day" de "Madame Butterfly", el aria "Why is My Heart So Excited" de "La Traviata", el aria de Lin Xiawei "Hay una persona en mi corazón". sonido".

Recitado

Recitativo es el párrafo en el que se desarrolla la trama, y ​​la historia a menudo se desarrolla en recitativo. Hay más diálogos entre personajes en este momento. Este tipo de pasaje no es adecuado para coro, por eso se llama recitativo, que es muy similar a la rima de la Ópera de Pekín. En la Ópera de Pekín, Qingyi, Xiaosheng o Laosheng tienen una forma de cantar con pronunciación y entonación exageradas. Aunque no es muy melódico, permite conectar fácilmente el diálogo con las arias cantadas antes y después, y la función es muy similar a la recitación en las óperas occidentales. Los primeros recitativos de la ópera europea eran muy libres de cantar y se les llamaba "recitativos secos". Por lo general, se toca un acorde en un clavecín para formar una melodía, y el cantante usa esta melodía para narrar repetidamente muchas palabras homónimas. Es difícil escuchar este homónimo traducido repetidamente al chino, porque el idioma chino tiene cuatro cadencias y nosotros en China no podemos cantar en un tono plano: ¿Has comido hoy? Debe sonar gracioso. Entonces, cuando nos encontramos con esta "recitación seca", simplemente nos quitamos el rap y lo cambiamos por diálogo. Pero en el siglo XIX, con la melodización gradual de los recitativos de ópera, por ejemplo, cuando cantábamos óperas como "La Traviata" y "Carmen", los recitativos se tradujeron al chino. Con un poco de melodía, podemos encontrar cuatro tonos chinos que coinciden con la melodía.

Un conjunto de dos o más cantantes

Un dúo es cuando varios personajes diferentes cantan simultáneamente de acuerdo con sus propias emociones específicas y tramas dramáticas. Dos personas cantando al mismo tiempo se llama dúo. A veces los roles secundarios y opuestos se organizan en una sola obra. Podría ser un trío, un cuarteto, un quinteto. Hubo un sexteto en "El barbero de Sevilla" de Rossini e incluso en "Las bodas de Fígaro" de Mozart. Más de una docena de personas cantan juntas, a veces en grupos. Un grupo de tres o cinco personas expresaron sus opiniones, algunas simpatizaban con Fígaro, otras simpatizaban con el conde y otras se reían. Este compositor es excepcional.

Otra forma es el coro para escenas multitudinarias. Como se mencionó anteriormente, puede ser una voz masculina, una voz femenina, una voz mixta o una voz infantil según los requisitos de la trama.

La ópera tiene historias y las arias tienen letra, y la letra está muy relacionada con el desarrollo de la música y el teatro. Por lo tanto, al introducir óperas occidentales en China, ¿es mejor mantener su "sabor original" mediante la traducción o cantando los textos originales? Siempre ha habido dos opiniones, cada una con sus propios méritos. Después de la fundación de la República Popular China, los trabajadores de la ópera chinos hicieron grandes esfuerzos en la traducción al presentar las óperas occidentales.

Una cuestión importante aquí es que el lenguaje literario no sólo debe traducirse bien, sino que también debe ajustarse a las reglas de la música cuando se combina con música, para que el público se sienta cómodo y aceptado. Este es un tema de conocimiento y una tarea muy ardua que requiere un traductor con un alto conocimiento musical o la cooperación de un traductor y un músico para hacerlo bien. Mi opinión personal es que como el público viene a ver un espectáculo hay que entenderlo. Al introducir óperas occidentales en China, es mejor traducirlas al chino para que la gente pueda comprender fácilmente la trama y el drama de la música de la ópera en cualquier momento y apreciar las actuaciones de canto y actuación. Al menos puede hacer que nuestra audiencia china sienta que nuestros músicos realmente quieren que comprendan el encanto de la ópera occidental. La moda social de los últimos años es cantar canciones con texto original y subtítulos en chino. Aunque puede mostrar el nivel de nuestros actores cantando el texto original y puede ser atraído por agentes extranjeros e invitado a actuar en el extranjero, hasta donde yo sé, para el público, la ópera occidental tiene un rango de aceptación más amplio y un público más reducido. Todos pensarán: olvídalo. No quieres que lo entendamos de todos modos. Además, los textos originales de algunos actores no son de alta calidad y nadie puede entenderlos.

Una forma de drama. Consiste en un texto dramático (letra) musicalizado, a menudo acompañado de música cuando se canta. Además de solistas, cantantes, coros y músicos, las representaciones de ópera suelen contar con bailarines desde el principio. Esta forma compleja y costosa de música, teatro y entretenimiento ha deleitado al público durante cinco siglos. La diferencia obvia entre este y otras formas de drama es que sus líneas se expresan en canciones más que en palabras; lo que lo distingue de los musicales como las operetas y las comedias musicales es la seriedad de sus obras, el rigor de su estructura y los sonidos que las acompañan. gravedad.

En la antigüedad existían obras que combinaban la poesía y el teatro con la música. Los dramaturgos griegos antiguos Esquilo, Sófocles y Eurípides utilizaron coro en sus obras. Los dramas religiosos medievales basados ​​en la Biblia, como las obras de milagros y las obras de milagros, generalmente iban acompañados de algún tipo de música. Éstas y otras formas musicales y dramáticas pueden considerarse las precursoras de la ópera. La ópera se produjo en Florencia, Italia, a finales de 2016. La primera ópera, "Daphne", escrita por los poetas pastorales renacentistas Ottavio Rinuccini y Jacopo Pelli, se ha perdido. El libreto de ópera más antiguo que se conserva, "Euridice", también es obra suya. Sin embargo, las obras de los dos padres de la ópera fueron exploratorias tanto en género como en estructura. Unos diez años después, se estrenó la obra maestra de la ópera "Fafra Dolfeo" de Claudio Monteverdi. Entre ellos, el acompañamiento instrumental se convirtió en un factor dramático; los temas de las óperas de esa época eran principalmente mitos, leyendas e historias históricas de ficción griegas y romanas.

Teatro de la Ópera

En 1637, se completó en Venecia el primer teatro de ópera del mundo, el Teatro di San Cassiano (Teatro di San Cassiano), que se abrió al público general. La época en la que la ópera estaba monopolizada por la familia real y los aristócratas, promovió en gran medida el desarrollo de la ópera. Francesco Cavalli fue alumno de Monteverdi y el compositor de ópera más famoso de su época. Compuso unas 40 óperas para la Ópera de Venecia entre 1639 y 1669, la más famosa de las cuales es "Giason". El escritor de ópera italiano Pietro Antonio Chesti, contemporáneo de Caffari, también escribió muchas óperas, la más famosa de las cuales es "Siete noches". Después de mediados del siglo XVII, el género de la ópera veneciana comenzó a decaer, aunque todavía había varios compositores talentosos, como Galuppi, a quien a menudo se le llama el "padre de la ópera".

Otras ciudades de Italia, como Roma, pronto desarrollaron sus propios dramas locales. A diferencia de Venecia, las óperas romanas no enfatizan la grandeza del escenario, prefiriendo usar interludios cómicos para restar importancia a la atmósfera trágica de toda la obra, centrándose en oberturas instrumentales y movimientos de interludio al estilo de obertura. En Roma también hay muchos escritores de ópera famosos, como Virgilio Marzzogli Marco Marazzoli, que escribió la primera ópera cómica completa "Chisov Sperry".

En el siglo XVIII, el centro de ópera italiano se trasladó a Nápoles y surgieron varios géneros de ópera uno tras otro, influyendo así en los centros de actividad de la ópera italiana y en muchos extranjeros. La cuestión es hacer que la música obedezca a la letra y que sea comprensible. Contribuyeron los letristas Zeno y Metastadzio. Dominan las arias de ópera, especialmente las de tres partes. La ópera napolitana tiene armonías simples, melodías más ligeras y un magnífico tono rococó. Los escritores representativos incluyen a Alessandro Scarlatti, Porpola, Finch y Leo.

En 1720, el veneciano Marcello escribió "Il teatro alla moda, O sia me todo sicuro, también conocido como el método infalible de creación e interpretación de ópera italiana" e easible per Ben compro re ed esa guire opera italiane in musica), satirizando los crecientes estereotipos en la ópera que debilitaban el drama, dando lugar a experimentos de reforma de la ópera, pero con poco éxito.

En el siglo XVII se desarrollaron las óperas cómicas satíricas independientes. Al principio, a menudo se intercalaba entre escenas de la ópera. En el proceso de maduración, ha restaurado algunas características serias y emocionales de los dramas ortodoxos, lo que ha mezclado muchas conversaciones cruzadas. "El barbero de Serbia", "Las bodas de Fígaro" y "Las bodas" son obras representativas de este período.

La ópera se introdujo en Francia antes de 1650. La primera ópera francesa, "Beaumont", se estrenó en 1671 en la ceremonia de inauguración de la Real Academia de Música (ahora Ópera de París). Pero no fue hasta la época de Giovanni Battista Lulli que la ópera se convirtió en un arte verdaderamente francés. La italiana Luli fue a París para aprender de las características del teatro y el ballet franceses y crear una ópera francesa. No le gustaban las arias italianas y, en su lugar, defendía canciones breves y animadas. Reformó el recital y desarrolló la Obertura francesa basada en las recitaciones de la compañía de comedia francesa. El estilo de Lully alcanzó su cenit en las óperas de Jean-Philippe Rameau, cuyas obras principales incluyen Hippolyte et Arici.

Después de la introducción de la ópera en Alemania y Austria en 1627, surgió la "ópera popular" y surgieron varios escritores de ópera, como Mozart, Handel, Beethoven, etc. Entre sus principales obras se encuentran "La Flauta Mágica", "Orlando", "Las Bodas de Fígaro", "Don Juan", "Fidelio" y "El Mundo en la Luna". En 1769, Ranieri de Calzabighi y G. Luc publicaron un importante documento sobre la innovación de la ópera: "El Prefacio a la Ópera "Arsi". Creía que las arias redundantes y extravagantes de tres partes deberían ser abolidas y reemplazadas por expresiones simples y sentimientos verdaderos. El deber de la música es "servir a la poesía". Las obras representativas de Gluck incluyen "Iphigenium Orid" e "Iphigenen Taurid". Sus ideas reformistas tuvieron una gran influencia.

Después de que la ópera se introdujo en Gran Bretaña, tardó mucho tiempo en echar raíces en Gran Bretaña. La primera ópera inglesa fue Dido y Eneas de Henry Purcell. Rompe los límites entre la recitación y el canto. La representación de "The Beggar's Opera" finalmente acostumbró al público británico a escuchar una obra de teatro cantada en su idioma nativo.

Desde finales del siglo XVIII hasta principios del XIX, la ópera cómica francesa se desarrolló enormemente. En 1752 se representó la ópera cómica en un acto de Rousseau "Guerre des Bouffons". Escribió una partitura en forma de popurrí, combinando melodías que reflejaban el amor romántico muy popular con actos de vodevil, muy franceses. A partir de entonces, esta nueva ópera híbrida dominó la escena operística de París y otros lugares. Entre los dramaturgos notables se incluyen Monsigny, Grétry, Mehure y François-Adrien Erdy. Desde Bois Erdi, la ópera cómica francesa se ha vuelto más italiana, reflejando la influencia de Rossini. Durante este período, la ópera italiana decayó. Más tarde, talentosos compositores de ópera como John Simon Mayer, Rossini, Guattano Donizetti y Bellini crearon "El barbero de Serbia", "Anna Bolena", "Il "Pilata" y varias obras de ópera de renombre mundial.

La “Gran Ópera” nació en París en el siglo XIX. Es una ópera a gran escala con un estilo internacional, con historias históricas o ficticias como tema, y ​​el escenario está lleno de disfraces elegantes, ballets y varias colas. Prácticamente abandona las sutilezas del bel canto y amplía enormemente la propia orquesta y su papel en el drama. La primera ópera importante reconocida fue Robert Le Diab de Giacomo Meyerbeer. Después de Meyer Bell y Fromenthal Halevi, la gran ópera comenzó a reflejar nuevas tendencias musicales y desarrolló diversas formas híbridas. Este período también contó con escritores de ópera franceses, incluidos Berlioz y Bach. Entre sus principales obras se encuentran "Oluphi y Troya", "Los cuentos de Hoffmann", etc.

La ópera romántica alemana es la pionera de la música romántica alemana como "Der Freischutz". Este período también vio el auge de la opereta, alcanzando su apogeo con la obra maestra de Johann Strauss "El murciélago".

Los compositores de ópera famosos posteriores al siglo XIX incluyen a los italianos Verdi, Puccini, Busoni, etc. Wagner, Richard Strauss, Hans Pfitzner, Schönbeck, Berger, etc. de Alemania y Austria. Gounod, Bizet, Thomas, Jules Massnit, Debussy, Ravel de Francia.

Después de la introducción de la ópera en Rusia, se representaron por primera vez obras extranjeras y luego se produjeron varios compositores de ópera destacados como Glinka, el padre de la ópera rusa, como Linsky Korsakov, Boro Ting, Modest Mussorgsky, Tchaikovsky, Stravinsky, Progofi, etc.

A mediados del siglo XX, la ópera se había convertido casi en un arte de museo, en su mayoría repeticiones de obras antiguas y rara vez nuevas. Algunos escritores creen que el futuro de la ópera está en las obras de teatro y otras formas de ópera híbridas que se parecen a las óperas y sorprenden al público, mientras que otros creen que el futuro de la ópera está en varias operetas compuestas para representaciones en fábricas y escuelas.