El desarrollo del fortepiano en los períodos barroco y preclásico

En el desarrollo de la música occidental se produjeron tres cambios importantes, cada uno de los cuales duró unos 300 años. Debido a que estos cambios fueron radicales en ese momento, cada cambio se describió como "nuevo", como el número 14 de Xinle, el número 17 de Xinle y el número 20 de Xinle.

La música occidental de la que hablamos ahora en realidad comenzó a finales del siglo XVI, del siglo XVII al XVIII. Este período se llama período barroco en la historia de la música. Antes del período barroco, el perfil de la música occidental era el siguiente: 805 era la Alta Edad Media, cuando comenzó la polifonía. En el año 1000 existía el arte románico y se inventaba la notación musical. 1150. Este es de estilo gótico temprano. El año 1300 d. C. fue el estilo gótico tardío, un período de nueva reforma musical. Era el Renacimiento en 1450 d.C. y surgió otra nueva reforma musical. No fue hasta la muerte de Bach en 1750 d.C. que terminó el período barroco. Luego está la música clásica, la música romántica, la música étnica, el impresionismo, etc.

Primero: Música barroca

En Dresde, a principios del siglo XVIII, muchos músicos esperaban este maravilloso concurso de interpretación de órgano. En aquella época vivía en Dresde un músico francés llamado Marchant. Debido al estatus superior de la música francesa en la corte de aquella época, se sentía muy orgulloso e incluso despertaba el descontento de los músicos alemanes. Por eso todo el mundo espera con ansias el concurso abierto entre el músico alemán Bach y el músico francés Marchand. Sin embargo, el día del partido, Marchant escapó mediante el primer correo electrónico del día. De esta manera,

Bach es el maestro de la música barroca. La música barroca es un estilo musical específico que precede a la música clásica occidental. Algunos dicen que el significado original de barroco es "el borde de la perla", mientras que otros se refieren al "estilo peculiar". El término se utilizó por primera vez en arquitectura durante el Renacimiento para referirse a un arte arquitectónico excesivamente escultórico en Occidente, especialmente en Alemania y Austria en los siglos XVII y XVIII. Posteriormente se utilizó en la pintura y la historia de la música.

El estilo y las técnicas de la música barroca tienen principalmente las siguientes características:

1: Bajo digital: (bajo continuo) es muy utilizado, por lo que también se le llama periodo del bajo digital. Este bajo digital es una notación armónica simple en la que solo se registra un bajo en el acorde. El acorde real que se va a tocar está representado por un número, y el intérprete improvisa la armonía basándose en este número.

2. Se destaca el principio de contraste, como la mutación de las primeras canciones, la alternancia de solo y concierto en el concerto grosso y el efecto eco en la música vocal y la música de órgano.

3. El fortalecimiento de la posición dominante de la tónica y la tónica sienta las bases para el establecimiento de la posición dominante de las cuerdas tónicas.

4. El desarrollo de sonidos improvisados ​​y decorativos, así como las características libres de arbitrariedad, riqueza e irregularidad.

El magnífico estilo artístico del barroco es como una música nueva y vívida, que contrasta marcadamente con la música antigua y tranquila de antes. Desde la Edad Media, la música sencilla y ascética ha sabido romper barreras, expresarse libremente y establecer un contraste entre fuertes y débiles.

Los tres pilares de la música barroca son la música vocal, la música instrumental y la música de órgano. Entre los músicos representativos de la música vocal se encuentran: Caccini y Perli. Sus principales logros son el desarrollo de diversas melodías de acompañamiento, como oratorios, óperas, etc. Los músicos representativos de la música instrumental son Monteverdi y Gabriel, cuyos principales logros son el desarrollo de sonatas y oberturas; los músicos representativos de la música para órgano son Svelink y Fores Cobadi, cuyos principales logros son el desarrollo de la fuga, la toccata y la suite.

Si echamos la vista atrás en la historia, la palabra barroco no era en absoluto un nombre del que enorgullecerse en aquella época. En el siglo XVIII, cuando se hablaba de "estilo barroco", significaba mal gusto, y se sospechaba que Bach y Handel eran los líderes del mal gusto en ese momento. Sin embargo, hoy en día el barroco está muy considerado como un estilo único en la historia de la música.

Música clásica

En 1762 d.C., un niño de seis años apareció en el escenario de la música mundial como un niño prodigio. En unos diez años, el prodigio conquistó Munich, Viena, París, Renton, Milán, Roma y Nápoles. Sus asombrosas habilidades para tocar y componer eran tan increíbles que la gente en Nápoles sospechaba que tenía poderes mágicos porque su magia provenía de un anillo que llevaba.

Este es un retrato fiel de Mozart. Cuando se trata de música clásica, la gente naturalmente piensa en los tres representantes de la música clásica: Haydn, Mozart y Beethoven.

La música clásica es un género musical popular en Europa en la segunda mitad del siglo XVIII y principios del XIX. El estilo de esta música es muy diferente de la música barroca anterior. El método de escritura polifónica del bajo digital utilizado por Bach y Handel quedó obsoleto en la segunda mitad del siglo XVIII y, en la música clásica, la música tónica tiene una ventaja absoluta. La música se desarrolla desde la melodía simple hasta la polifonía, y desde la polifonía hasta la melodía principal destacada. La etapa histórica de la complementación armónica. No se trata de una repetición de música simple del período Proterozoico, sino de un nivel superior. La melodía principal de la música clásica juega un papel importante. El bajo a menudo se toca repetidamente con tonos tónicos o subordinados, o simples acordes rotos. Cuando es armonioso, se convierte en un sistema funcional centrado en el amo, el subordinado y el subordinado. Durante este período, la gente no quería escuchar música pesada. También se puede decir que es un aspecto de los requisitos espirituales de la iluminación. Por lo tanto, se puede decir que las emociones vivas, la estructura rigurosa, el lenguaje musical claro y las técnicas musicales refinadas son características importantes de la música de este período. En esta época, el género de la sonata se ha desarrollado mucho y el desarrollo de la sinfonía también ha alcanzado un alto nivel artístico.

El término clasicismo originalmente se refería principalmente a los principios y características de la literatura y el arte griego y romano, incluyendo la elegancia, la sencillez, la solemnidad y el estilo riguroso. En música, el término clasicismo se utiliza a menudo como una simetría del romanticismo, es decir, para referirse a la música que precedió al romanticismo.

Música romántica

En París, en 1826 d. C., Berlioz, de 23 años, se enamoró de la señorita Smithson, una famosa actriz de Shakespeare en ese momento. Sin embargo, esta historia de amor terminó en tragedia. El dolor del amor roto sumió al pobre músico en un abismo de desesperación. Este reino espiritual de pasión y frustración, anhelo y frustración, fantasía y duda, indignación y ridículo se expresa más vívidamente en su sinfonía autobiográfica Fantasía, que fue un gran éxito en su estreno. Se ha convertido en una de las obras representativas más importantes del romanticismo. género musical. A través de esta sinfonía, podemos sentir el pulso de la sociedad de esa época y mostrar el estado contradictorio de la burguesía y la pequeña burguesía francesas en la era de la reacción política.

La palabra romance se translitera como “fantasía”, “leyenda”, “caballería”, etc. Es la simetría de la palabra "clásica" en la literatura y el arte. La música romántica es un género musical occidental popular en el siglo XIX después de la escuela de música clásica. Musicalmente se caracteriza por un énfasis en la subjetividad, la emoción y una mayor libertad formal. Aunque estas características se revelan en las obras posteriores de Beethoven, especialmente en las sonatas para piano, la escuela romántica de música comenzó con Wilbur y Schubert. Wilbur escribió en aquella época la ópera "The Free Shot" y se convirtió en un reconocido pionero de los románticos. Los solos de Schubert también se hicieron populares en esta época. Una de las señas de identidad de la música romántica son las óperas que requieren versos o versos, con las canciones como línea divisoria. Esto no fue casualidad al principio, porque el movimiento romántico no se trataba sólo de música, también estaba estrechamente relacionado con las corrientes estéticas de las artes plásticas y la literatura de la época. En lo que respecta a la música, la música romántica es algo que hay que ver.

Además de Weber y Schubert, el género musical romántico temprano se desarrolló a partir de seis compositores nacidos en la misma década. Estos seis compositores famosos son: 1. Berlioz (1803~1869), cuyas obras principales son "Fantasía" y "Marcha Húngara" y los otros dos Mendelssohn (1809~1847), cuyas obras principales son la "Sinfonía Escocesa". Las principales obras de Schumann (1810~1856) y Chopin (1810~1849) incluyen: Vals, Nocturno, Mazurka, etc.

Liszt (1811 ~ 1886) compuso seis canciones de Wagner (1813 ~ 1888), como "Faust Symphony", "Dante Symphony", "Dance of Death" y "Hungarian Rhapsody".

A partir de 1850, el género musical romántico occidental entró en su segunda etapa, conocida como género del Romanticismo tardío. Debido al alto desarrollo del género musical romántico temprano, después de eso, algunas personas volvieron a buscar la simplicidad y unidad clásica en un intento de volver al estilo original. Otros trabajaron para desarrollar su propia música nacional para competir con la música alemana. Otros se aventuraron en la música altamente cromática. Representantes importantes de su género musical romántico incluyen: Las obras principales de Franck incluyen "Sonata para piano y violín en la mayor", las obras principales de Brahms, Bruckner y Tchaikovsky incluyen "Primer concierto para piano", "Serenata de cuerda", "El lago de los cisnes", la obra mayor de Mahler. las obras incluyen "Primera Sinfonía Gigante", "Reger" y "Richard Strauss".

Además de la composición, la música romántica también ha avanzado mucho en la interpretación. La expresión de la personalidad no es sólo un elemento de la composición, sino que poco a poco se ha convertido en una condición necesaria para los intérpretes. Como resultado, la actuación, naturalmente, se tendrá en cuenta y los intérpretes mostrarán un alto grado de habilidades interpretativas y recibirán cálidos aplausos del público, como el violinista Paganini. Además, compositores e intérpretes de la época como Liszt, Chopin, Wieniawski, etc. también hicieron contribuciones destacadas a la transformación y desarrollo de los métodos de interpretación.

Escuela Nacional de Música

En Praga, a principios de la primavera de 1866, se presentó ante el público una ópera de Ingres escrita en el idioma nacional checo. Esta ópera, ambientada en las zonas rurales de los agricultores bohemios, es reconocida como un modelo de la ópera nacional checa debido a su rico color bohemio. La ópera se llama "La novia traicionada" y fue compuesta por Smetana, cuya otra suite sinfónica "Mi patria" contiene el famoso movimiento.

La escuela de etnomúsica es un género musical que ha enfatizado las características nacionales desde la segunda mitad del siglo XIX. Los compositores que pertenecen a este género musical a menudo adoptan las canciones populares y los ritmos de danza de su propia nación, y eligen historias de la historia y la vida de su propia nación como temas para óperas y poemas sinfónicos. En términos de estilo musical, se puede decir que la escuela de música tradicional china se desarrolló a partir de la música romántica inicial. Entre los compositores románticos, como Weber, Chopin, Liszt, Wagner y otros, ya sea consciente o inconscientemente, se puede oler en sus obras un fuerte sabor nacional. Desde mediados del siglo XIX, muchos países y naciones se han alejado cada vez más conscientemente de los estilos musicales alemanes. En 1860 surgieron escuelas de etnomúsica en Bohemia, Noruega y Rusia. Además de las famosas obras de Smetana, el padre de la música nacional checa, también es muy famosa la obra orquestal "Danzas eslavas" del músico nacional checo Dvo Schak. El compositor noruego Grieg utilizó técnicas de composición musical europeas basándose en la música nacional de su patria. Glinka, el padre de la música nacional rusa, creó la primera ópera "Ivan Susanin" con el tema de la leyenda rusa, seguida por Balakirev, Guy, Borodin y Mussorgsky, la poderosa facción rusa de Linsky-Korsakov. Más tarde, la escuela de etnomúsica se trasladó a Finlandia y Sibelius perteneció a este género.

Algunos músicos modernos del siglo XX, como Bartók y Kodaly en Hungría, William Forhan en el Reino Unido, Enescu en Rumania, Harris y Gershwin en los Estados Unidos, son todos dignos de ser considerados un destacado representante de música nacional.

Géneros musicales modernos

En 1894, el preludio orquestal impresionista de Debussy "La tarde del fauno" se representó por primera vez en París y recibió gran aclamación. Esto contrasta marcadamente con el óleo de Monet "Impresión - Sol naciente", que fue ridiculizado como "impresionismo" porque se exhibió por primera vez en París hace 20 años.

En la historia de la música occidental, los géneros musicales modernos generalmente comienzan con la música impresionista.

Si la música es moderna es un concepto relativo relacionado con el estilo de una determinada época. El significado de la palabra "moderno" varía de una época a otra, de un lugar a otro y de una perspectiva a otra. Algunas personas definen de manera estricta esta categoría histórica y creen que la música moderna se refiere sólo a los géneros musicales más radicales posteriores a la Segunda Guerra Mundial.

Algunas personas lo dividen en términos generales: la música impresionista también se incluye en la categoría de música moderna. Otros lo dividieron de manera más amplia: el musical Tristán e Isolda de Wagner fue el comienzo de una nueva era musical. Aunque las divisiones son diferentes, las divisiones de las etapas básicas de la música moderna son similares. Si se toma "Tristán e Isolda" del 65438 al 0856 como preludio de la música moderna y las dos guerras mundiales como frontera,

Música Moderna Música Moderna

La primera, segundo y tercer periodo

1856 1900 1918 1945 1987

Por lo tanto, se puede decir en general que la música moderna se refiere principalmente a la nueva música occidental desde el siglo XX, especialmente después de la Segunda Guerra Mundial. Género musical. Si la música moderna de finales del siglo XIX fue principalmente romántica, la música moderna del primer período se basó básicamente en la extensión de la música mencionada anteriormente, representada por el impresionismo de Debussy y el expresionismo de Schoenberg. El segundo período está representado por el neoclasicismo. En el tercer período convivieron diversas músicas de vanguardia y diversos estilos.

Desde la perspectiva de las características técnicas, este tipo de música moderna puede incluir al menos las siguientes categorías:

1. Música tonalmente extendida: este tipo de música se extiende hasta el borde del tonalidad. En el caso de la tonalidad flotante, utiliza frecuentes semitonos, "acordes de cambio" distantes, acordes disonantes extremadamente complejos y combinaciones simultáneas de varias tonalidades.

2. Música atonal variada: este tipo de música no tiene ningún centro tonal tradicional, como algunas músicas de doce tonos y otras músicas de secuencia.

Tres: música variada de vanguardia: algunas obras se organizan mediante operaciones numéricas extremadamente complejas y otras utilizan grabaciones o computadoras como medio principal de composición, como música en cinta, música electrónica, música por computadora, etc. . Además, hay música ocasional, música intuitiva, etc.

Introducción a la música moderna:

1: Música impresionista: Es un género musical influenciado por la pintura impresionista y la literatura impresionista. La mayoría de sus obras utilizan como temas la poesía, la pintura y los paisajes naturales, expresando deliberadamente su impresión momentánea de Aino Kolida. No hay representantes, excepto Debussy, los franceses Ravel y Duca, los españoles De Falla, los británicos Darius y Scott y otros compositores famosos. Estados Unidos tiene músicos famosos, como Levsky, así como visionarios de la estética impresionista. En el estado histórico posterior al fracaso de la Comuna de París, reflejaron consciente o inconscientemente la fantasía del mundo ilusorio de una vida mejor y el escape de la cruel realidad de la época.

2. Música expresionista: producida a principios del siglo XX y popular en las décadas de 1920 y 1930. Fue fundado por el músico austriaco Schoenberg, y sus alumnos Berg y Wilborn lo heredaron y desarrollaron. El expresionismo fue la primera teoría artística propuesta por los impresionistas, quienes propugnaban una descripción puramente objetiva de lo que se veía en el mundo objetivo. El expresionismo enfatiza la expresión directa del mundo espiritual de las personas y la actitud objetiva vista en el corazón. Es un arte de la "gente pequeña" de las grandes ciudades después de que el capitalismo comenzó a evolucionar hacia el imperialismo. Una de sus técnicas creativas importantes es el sistema dodecafónico del que Schoenberg fue pionero. Según este sistema, los doce tonos de la escala cromática se encuentran en la misma posición. Organícelos en una determinada secuencia de tonos e inviértalos usando la forma básica de la secuencia de tonos. Se utilizan técnicas como la inversión retrógrada. Hasta que aparezcan los doce tonos de esta serie, no se podrá repetir ninguno. La mayor parte de la música del sistema dodecafónico es atonal o tonal libre.

3. Música protohistórica: Es un género del arte europeo occidental (principalmente arte plástico) del siglo XIX al XX. El pintor francés Henri Loulin es considerado una figura destacada del historicismo primitivo moderno. Pintores como Picasso también utilizaron técnicas del historicismo primitivo y magníficas técnicas para crear obras coloridas en sus obras. El protohistoricismo expresado en la música no es un género estable. En el caso de Stravinsky, sólo algunas de sus primeras obras entran en esta categoría, como su ballet musical Tet, una pieza de música clásica protohistoricista. Otros músicos modernos, como Bartok, Onike y otros, sólo se han mostrado en obras individuales.

Además, algunas personas llaman protohistoricismo a la música escrita con técnicas modernas muy simples, como el famoso compositor de Alemania Occidental Wolf.

4. Género musical antifascista: Se trata de un género musical que no se divide por estilos musicales. Varias obras musicales populares en Europa antes y después de la Segunda Guerra Mundial que se opusieron al brutal gobierno nazi entran en esta categoría. Obras influyentes como "Sobrevivientes de Varsovia" de Schoenberg expusieron las horribles atrocidades de los campos de concentración nazis que persiguieron a los judíos durante la Segunda Guerra Mundial. Se han representado innumerables veces en todo el mundo y son bien recibidas por el público.

5. Música neoclásica: son seis géneros musicales modernos que surgieron en la década de 1920. Es una corriente creativa provocada por el romanticismo tardío en el título y la subjetividad de la música. Aboga por que la música debería volver a los "clásicos" y regresar a una época más alejada de Bach. Esta propuesta fue propuesta por primera vez por el italiano Busoni, cuyas "Obertura de comedia" y "Sonata para piano" son obras de este tipo. Sin embargo, la figura más influyente en este género es Stravinsky, de cuya "Sinfonía del himno" y "El cuento del soldado" se puede decir que son obras neoclásicas clásicas.

6. Género heterófono: Las obras creadas con diferentes tonos en la música moderna se denominan géneros heterofónicos. El llamado tono diferencial se refiere al intervalo en el teclado del piano que es menor que un semitono. En la música folclórica china, suele ser ligeramente más alto o más bajo que una determinada nota del teclado. Este intervalo, que es inferior a un semitono, suele estar marcado con un símbolo " ↑ " o "↓". Los géneros de los géneros heterofónicos varían y algunos oscilan dentro de una octava. También hay quienes no dividen la nota entera en partes iguales, quienes no dividen los intervalos en octavas, etcétera. El compositor italiano moderno Bruni consideró utilizar un tercer tono. El Bach checo es una figura representativa de la heterofonía.

7. Música de secuencia: Es un tipo de música creada según un determinado procedimiento según un determinado tono, duración, intensidad, color y diferentes métodos de ejecución. Es un nuevo género popular en Occidente desde mediados del siglo XX. Entre sus principales representantes se encuentran Bretz, Wilburn, Mei Xian, Nono y otros. Desde la década de 1960, la música secuencial se ha combinado a menudo con la música electrónica.

8. Música electrónica: un tipo de música de vanguardia que surgió en los años cincuenta. Esta es música hecha con acústica electrónica. En concreto se trata de cambiar la velocidad de la cinta, o cambiar su frecuencia, o filtrar su frecuencia y amplitud, modificar su frecuencia y amplitud, utilizar tecnología de eco, etc. , y luego se empalma con otros instrumentos electrónicos y tecnología de grabación para regenerar y sintetizar la obra. Sus representantes son Stockhausen y Cage.

9. Música concreta: Tipo de música producida directamente a partir de sonidos naturales y reales grabados en cinta. Este sonido natural lo abarca todo, desde el estruendo de los trenes, el pitido de las barcazas, los susurros, los suspiros, la tos de la gente, los sonidos de los platos, cubiertos, ollas y sartenes en la cocina, y más. Entre sus representantes se encuentran Schaefer, Only y otros.

10: Música accidental: tipo de música producida por accidente. Entre sus representantes se encuentran Cage y otros. El concepto de “accidentalidad” proviene del latín: alea iacta est, que hace referencia a la posibilidad de lanzar los dados, por lo que también se le llama diversión con los dados. Hay muchos tipos de música accidental, y algunas utilizan la adivinación, el lanzamiento de dados, de monedas, etc. para determinar el tono, el ritmo y el timbre de la obra. La música que escuchamos habitualmente no tiene nada que ver con los sonidos del mundo real y se considera una belleza ficticia. Se considera un juego sin propósito. Su verdadera belleza debe producirse en el momento en que existe con el público, es decir, el sonido ocasional. De vez en cuando, los músicos defienden: "Haz lo que sea necesario para hacer música". Algunas personas en Occidente también lo consideran indeseable, pensando que un compositor así ha perdido su responsabilidad como creador. (En realidad, simplemente tienen puntos de vista diferentes).

11: Música de jazz: es una música de baile entretenida. Se originó en Nueva Orleans y otros lugares de Estados Unidos a principios del siglo XX, y evolucionó a partir de canciones laboristas, canciones soul, blues (canciones tristes) y ragtime (música ragtime) de la música afroamericana. Desde su introducción en Europa en 1914, se ha capitalizado.

12: Música pop: término general para la música popular occidental. La música pop es la transliteración de la palabra pop, y su música incluye varias canciones pop y música de baile popular occidental.

El jazz también entra en esta categoría. A mediados de la década de 1950 surgió en Occidente una especie de música swing. En la década de 1960 se hizo popular en Occidente con el nombre de música swing. Entre ellos, las famosas parejas de música swing incluyen "The Beatles", "The Rolling Stones" y "Sweden". La música disco reemplazó a la música swing y entró en todos los ámbitos de la sociedad occidental. Se caracteriza por una velocidad rápida, con un tempo básico de 1,25 latidos por minuto, un ritmo fuerte e inflexible y un frenesí hasta el punto de convulsionar.

Se puede ver en los sonidos extraños y espirituales de algunas obras musicales occidentales que el autor refleja intencionalmente o no ciertos aspectos del mundo capitalista antes y después de la Segunda Guerra Mundial, incluido el horror de la gente ante la guerra, la desesperación por el futuro, y El estado psicológico de vacío y soledad, etc. Tomemos como ejemplo la ópera abstracta de Blaek "Number One". Aunque las letras son todas palabras abstractas como "Ah, Ming, Ga", siempre que veas el "miedo, miedo" que irradia desde el dosel del escenario, sentirás eso. significa que no es tan abstracto. Otro ejemplo es "Cuatro minutos y treinta segundos" de John Cage, en el que un pianista se sienta en silencio durante cuatro minutos y treinta segundos sin tocar nada. Esta extraña obra al menos refleja el vacío del mundo interior del autor. Por supuesto, desde un punto de vista técnico, todavía necesitamos saber algo sobre estos distintos tipos de música para saber qué es. En la música moderna del mundo, no hace falta decir que existen diversas obras musicales, entre las que se encuentran tanto excelentes como negativas. Por tanto, conviene analizar obras concretas de forma realista y realista.

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