¿Por qué agregamos "hogar" a nuestra residencia actual?

Pablo Ruiz Picasso

Pablo Picasso (1881-1973) nació en Mágalla, España. Es el artista occidental contemporáneo más creativo e influyente, él y sus pinturas ocupan un lugar destacado. posición inmortal en la historia del arte mundial. Picasso fue un pintor prolífico. Según las estadísticas, sus obras sumaron cerca de 37.000 piezas, entre ellas: 1.885 óleos, 7.089 bocetos, 20.000 grabados y 6.121 litografías.

La vida de Picasso fue tan gloriosa que fue el primer pintor de la historia que vivió para ver sus obras reunidas en el Louvre. En una encuesta realizada por un periódico francés en diciembre de 1999, fue elegido entre los diez mejores pintores del siglo XX con el 40% de los votos. Respecto a sus obras, Picasso dijo: "Cada una de mis pinturas contiene mi sangre. Este es el significado de mis pinturas". Entre las 10 pinturas más caras del mundo, las obras de Picasso representan 4 de ellas.

Los métodos y estilos pictóricos de Picasso cambiaron varias veces a lo largo de su vida. Quizás debido a su sensibilidad y precocidad ante la impermanencia del mundo, junto con su origen familiar pobre, las primeras obras de Picasso estuvieron llenas de melancolía precoz. Las primeras pinturas estaban cercanas a temas expresionistas; durante su educación, Picasso trabajó duro para estudiar técnicas académicas y temas tradicionales, lo que dio como resultado obras como "Primera Comunión" que representan temas religiosos. Los tonos suaves de Degas y los temas de la alta sociedad perseguidos por Lautrec también fueron temas de los primeros estudios de Picasso. En pinturas como "Moulin Garrett" y "Mujer bebiendo ajenjo", siempre podemos ver fantasmas de luz y sonido flotantes utilizando la técnica de Lautrec, que fluyen ambiguamente con tristeza. Cuando Picasso tenía catorce años, se mudó a Barcelona con sus padres y vio el nuevo arte y las ideas locales. Sin embargo, justo cuando estaba ansioso por intentarlo, se encontró con el fracaso de la guerra colonial española en ese momento, y los drásticos cambios políticos provocaron escenas trágicas para la gente; la importante ciudad de Barcelona es la primera en sufrir las consecuencias. Quizás fue este doble estímulo de excitación y desesperación lo que dio a Picasso el poder melancólico del Período Azul en su subconsciente.

Cuando Picasso se mudó a París, no tenía hogar y era pobre. Vivía en una extraña y ruinosa residencia llamada "Laundry Boat", que era un lugar de reunión para algunos artistas ambulantes en ese momento. Fue en ese momento cuando Olivia, que tenía diecisiete años, entró con gracia en la vida de Picasso en un día lluvioso. Como resultado, el alimento y la dulzura del amor suavizaron su alma ya obstinada y decadente hacia la vida, y el doloroso color azul de su cuadro también comenzó a provocar emociones saltantes. La vieja tristeza se quema lenta y cuidadosamente. En este momento, todo el estilo de la pintura se hincha con la ternura de la felicidad y la alegría de la pertenencia emocional.

En las obras de la época Rosa Roja, aunque las expresiones de los personajes siguen siendo indiferentes, ya prestan atención a la belleza de la armonía y la atención a la sutil naturaleza humana. El conjunto, salvo la riqueza del color, ha sido retirado del abismo desesperado del anterior período azul. Abandonad el anterior símbolo de tristeza y falta de vitalidad de la pobreza y la enfermedad, y sustitúyelo por uno lleno de interés, preocupación y confianza en todos los aspectos de la vida. En "Mujer con camisa", una imponente camisa de tul perfila suavemente el cuerpo Dong que emerge de la oscuridad, y su firme extensión revela la arrogancia y confianza de la joven. La delicada y vaga belleza fluye como un fantasma. La atmósfera general se transmite suave y meticulosamente, haciendo que el cuerpo misterioso admire la belleza morbosa en la niebla. La razón principal para la formación del arte del collage surge del afán de Picasso por romper las limitaciones del espacio y es producto de un golpe de genialidad. . De hecho, el collage no fue inventado por Picasso. Ya existía en la artesanía popular en el siglo XIX, pero fue Picasso quien lo introdujo en la pintura y lo separó del estatus de artesanía. La primera obra de collage, "Naturaleza muerta sobre una silla de ratán", y la "Guitarra" de 1913 son las mejores interpretaciones del cubismo utilizando técnicas de collage.

Las pinturas posteriores se centraron en el arte primitivo y las imágenes simplificadas. De 1915 a 1920, el estilo pictórico viró hacia el realismo. En 1930, se inclinaba claramente hacia el surrealismo. Durante la Segunda Guerra Mundial, Picasso pintó el óleo "Guernica" para protestar contra el bombardeo indiscriminado de los fascistas alemanes e italianos a la pequeña ciudad de Guernica en el norte de España.

Esta pintura es la pintura abstracta más famosa de Picasso que combina cubismo, realismo y surrealismo. La deformación violenta, las pinceladas retorcidas y exageradas, la acumulación de bloques de colores geométricos y la forma abstracta expresan dolor, sufrimiento y la naturaleza animal expresa las muchas emociones complejas de Picasso. En el período posterior, produjo una gran cantidad de esculturas, grabados y cerámica, y también logró logros sobresalientes. Picasso desarrolló actividades artísticas desde finales del siglo XIX hasta la década de 1970. Picasso fue el pintor modernista más influyente de todo el siglo XX. Las obras de Picasso tienen una gran influencia en las escuelas de arte occidentales modernas.

Picasso fue un explorador de técnicas artísticas en constante cambio. Absorbió las técnicas artísticas del impresionismo, el postimpresionismo y las Bestias y las adaptó a su propio estilo. Su talento es que mantiene su personalidad ruda y fuerte en sus diversas variantes de estilos, y puede lograr unidad interna y armonía en el uso de diversas técnicas. Ha alcanzado el nivel más alto y sus obras, ya sean cerámicas, grabados o esculturas, son como un juego de niños. En su vida, nunca tuvo un maestro específico ni un discípulo específico, pero entre los pintores activos en el siglo XX, ninguno pudo desviar completamente el camino abierto por Picasso.

Se marchó tranquilamente, completó su dilatada carrera a los noventa y tres años y vivió su vida como quiso.

Vincent Van Gogh

Vincent Van Gogh, 1853-1890

Representante del postimpresionismo

Abandonó todos los conocimientos adquiridos, despreciando el preciado dogma de la academia, e incluso olvidando su propia razón. En sus ojos sólo existe el vibrante paisaje natural, y se embriaga en él, olvidándose de ambas cosas y de mí mismo. Considera todas las cosas del mundo como un todo indivisible y lo abraza todo con todo su cuerpo y mente.

Van Gogh saltó a la fama como pintor muy individual en una etapa avanzada de su vida, sólo ocho años antes de su muerte.

Van Gogh tuvo poca formación formal en pintura. Tenía que trabajar día tras día para conseguir lienzos, pinturas al óleo y herramientas de pintura, estaba constantemente en un estado de conflicto mental y estaba bajo presión para perseguir la perfección artística. Incluso si éstas no fueran la causa directa de su enfermedad posterior. También le dieron tragedias de la vida y plantaron las semillas.

Van Gogh se centró en la reproducción de emociones verdaderas, es decir, quería expresar sus sentimientos sobre las cosas más que las imágenes visuales que veía.

Van Gogh clasificó sus obras en otra categoría diferente a las de los pintores impresionistas. Dijo: "Para expresarme con más fuerza, uso los colores con más libertad, no sólo los colores". pero también la perspectiva, la forma y la proporción se transforman para expresar una relación extremadamente dolorosa pero muy real con el mundo.

Van Gogh fue un artista con un verdadero sentido de misión, que es también la característica única de los artistas que se autodenominan expresionistas. Cuando Van Gogh habló de su creación, resumió este sentimiento así: "Por ello arriesgué mi vida; por ello, la mitad de mi cordura se derrumbó; pero no importa...".

Van Gogh nunca abandonó su creencia de que el arte debería preocuparse por cuestiones reales y explorar cómo despertar la conciencia y transformar el mundo.

Van Gogh se suicidó a la edad de treinta y siete años. Como artista, obtuvo elogios de la crítica por sus impactantes e imaginativas pinturas hasta poco antes de su muerte.

Pocos años después de la muerte de Van Gogh, algunos pintores comenzaron a imitar sus métodos pictóricos para expresar emociones fuertes, no necesitaban reflejar la realidad con sinceridad. Esta actitud creativa se llamó expresionismo. ha demostrado ser una tendencia duradera en la pintura moderna.

Aunque los nombres de Gauguin y Van Gogh se han convertido en pioneros del expresionismo moderno y modelos de artistas extremadamente individuales, es difícil imaginar cuán diferentes son sus características personales. Gauguin fue un hombre que atacó los conceptos tradicionales, con un lenguaje duro, cinismo, indiferencia y, a veces, grosería. Van Gogh, por otro lado, estaba lleno de un amor inocente, apasionado y profundo por el despiadado artista.

Van Gogh heredó una gran tradición retratista poco común entre los artistas de su generación. Su apasionado amor por la gente le hizo inevitable pintar retratos. Estudió a las personas como estudiaba la naturaleza, desde los primeros bocetos hasta el autorretrato final que pintó en los meses previos a su suicidio en 1890. Capta fielmente la mirada aterradora e intensa de la mirada de un loco. Un loco, o una persona que no puede controlar su propio comportamiento, nunca sería capaz de dibujar un cuadro tan mesurado y hábil. En diferentes niveles de azul, algunas líneas rítmicas y temblorosas reflejan la hermosa cabeza escultórica y el torso de forma sólida. Todo en la imagen es azul o verde azulado, excepto la camisa oscura y la cabeza con barba roja. La combinación de colores y ritmos desde la cabeza hasta el torso y el fondo, así como los sutiles cambios en las partes enfatizadas, demuestran que se trata de un artista que tiene un excelente dominio de los métodos de modelado, como si Van Gogh estuviera completamente despierto. Capaz de registrar cómo se veía durante un episodio psicótico.

"Campo de trigo con cuervos volando"

Esta pintura todavía tiene el familiar color dorado, pero está llena de inquietud y tristeza, con nubes oscuras y el denso cielo azul. Sobre los campos de trigo dorado, tan pesado que deja a la gente sin aliento, y el aire parece haberse solidificado. Un grupo de cuervos desordenados y que vuelan bajo, el horizonte ondulado y las pinceladas agitadas y violentas se suman a la sensación de opresión. de resistencia e inquietud. La imagen es extremadamente turbulenta, y el camino verde se adentra en la distancia entre los campos de trigo amarillos, lo que aumenta la inquietud y la emoción. Esta imagen está llena de tensión y presagios siniestros, como si fuera una nota de suicidio sin palabras compuesta de colores. y líneas. Al día siguiente, volvió al campo de trigo y se pegó un tiro en el corazón.