¿Cuáles son algunas de las óperas famosas que se presentan? Sea integral. ¡Gracias héroes!

El origen de la ópera

Se cree generalmente que la ópera europea nació a finales del siglo XVI. La primera ópera reconocida en Occidente es "Daphne" (otra traducción de Daphne), que fue producida bajo la influencia del humanismo e intentó restaurar el espíritu del drama griego antiguo. Escrita por O. Rinuccini, compuesta por J. Pelli y J. Corsi, fue representada en 1597 en la corte del Conde G. Baldi en Florencia (terminada en 1594). Debido a la popularidad de la ópera, Venecia construyó la primera ópera del mundo en 1637.

El desarrollo de la ópera

A finales de 2017, ¿quién era la persona más influyente en Roma? El género de la ópera napolitana representado por Scarlatti. Esta escuela no utilizó escenas de coro ni ballet en la obra, pero desarrolló mucho la técnica de canto solista conocida como "Bel Canto" por las generaciones posteriores. Cuando este estilo "sólo para cantantes" llega a los extremos, la expresión dramática original y la connotación ideológica de la ópera casi se pierden. Por lo tanto, en la década de 1820, surgió el género de ópera Xi con la vida cotidiana como tema, tramas humorísticas y música sencilla. La primera obra representativa de la ópera cómica italiana es "Ama de casa como ama de casa" de Paglasi (estrenada en 1733), que originalmente era un interludio de ópera. Cuando se representó en París en 1752, fue difamada por los conservadores, lo que desencadenó el famoso "Debate de la Ópera Cómica" en la historia de la ópera. La primera ópera cómica francesa, "El adivino del pueblo", escrita por Rousseau, se inspiró en este debate y en esta ópera.

La ópera italiana fue reformada por primera vez en Francia y combinada con la cultura nacional francesa. Lu Li es el fundador de la ópera francesa ("tragedia lírica"). No sólo creó melodías solistas estrechamente integradas con el francés, sino que también fue el primero en aplicar escenas de ballet a la ópera. En Inglaterra, Purcell creó la primera ópera nacional inglesa, Didon y Eneas, basada en su tradición del teatro de máscaras. En Alemania y Austria, Haydn, Dieterdorf, Mozart y otros convirtieron las óperas populares en óperas nacionales alemanas y austriacas, incluida "La flauta mágica" de Mozart. En el siglo XVIII, Gluck insistía en que las óperas debían tener un contenido profundo, la música y el drama debían estar unificados y la interpretación debía ser sencilla y natural. Sus pensamientos y obras como "Oflo y Eurídice" y "La Efigenia de Orid" tuvieron una gran influencia en el desarrollo de la ópera posterior.

Después del siglo XIX, maestros de la ópera italiana como G. Rossini, G. Verdi, G. Puccini, el alemán R. Wagner, el francés G. Bizet y los rusos M.I Glinka, M.P Mussorgsky, P.N Tchaikovsky, etc. han hecho importantes contribuciones al desarrollo de la ópera. La opereta, formada en el siglo XVIII, evolucionó y se convirtió en un género independiente. Sus características son: estructura corta y música popular. Además del solista, dúo, coro y baile, también utiliza el inglés popular. Los fundadores de este género son el compositor austriaco Sobel y el compositor francés Offenbach de Alemania.

Entre los compositores de ópera del siglo XX, Richard Wagner fue uno de sus primeros representantes. Strauss (Salome, der rosenkavalier); después de la Primera Guerra Mundial, fue Berger (Wozek) quien aplicó el principio atonal a la creación de ópera a partir de los años 40, estuvieron: Strauss Travinsky, Prokofiev, Miyue, Manotti, Barbiere, Orff, Janus; Della, Henze, Moore y el famoso compositor británico Britten.

Música vocal

La parte vocal de la ópera incluye solos, dúos y coros. Las letras son las líneas de los personajes de la obra (dependiendo del estilo, también pueden serlo). hablada en inglés sencillo); la música instrumental suele tener un preludio o obertura al comienzo de la obra, y las primeras óperas también tenían un preludio de dedicación (incluida la música vocal).

En cada escena, la música instrumental no sólo sirve de acompañamiento al canto, sino que también sirve de vínculo entre lo anterior y lo siguiente. A menudo hay interludios entre escenas, o cada escena tiene su propio preludio. La danza también se puede insertar en el desarrollo de la obra. La estructura musical de una ópera puede estar compuesta de piezas musicales relativamente independientes o puede ser una estructura unificada que se desarrolla continuamente.

Los métodos de canto importantes en la ópera incluyen la recitación, aria, aria, recitación, dúo, coro, etc. Sus géneros incluyen ópera, ópera cómica, gran ópera, zarzuela, zarzuela, comedia musical, ópera de cámara, musicales, etc.

Aria

Aria es el aria principal de una ópera en la que el protagonista expresa sus emociones. Su música es muy agradable y tiene una estructura relativamente completa, que puede mostrar las habilidades vocales del cantante. Por eso los escuchamos a menudo en conciertos, como el aria "Sunny Day" de "Madame Butterfly", el aria "Why is My Heart So Excited" de "La Traviata", el aria de Lin Xiawei "Hay una persona en mi corazón". sonido".

Recitado

Recitativo es el párrafo en el que se desarrolla la trama, y ​​la historia a menudo se desarrolla en recitativo. Hay más diálogos entre personajes en este momento. Este tipo de pasaje no es adecuado para coro, por eso se llama recitativo, que es muy similar a la rima de la Ópera de Pekín. En la Ópera de Pekín, Qingyi, Xiaosheng o Laosheng tienen una forma de cantar con pronunciación y entonación exageradas. Aunque no es muy melódico, permite conectar fácilmente el diálogo con las arias cantadas antes y después, y la función es muy similar a la recitación en las óperas occidentales. Los primeros recitativos de la ópera europea eran muy libres de cantar y se les llamaba "recitativos secos". Por lo general, se toca un acorde en un clavecín para formar una melodía, y el cantante usa esta melodía para narrar repetidamente muchas palabras homónimas. Es difícil escuchar este homónimo traducido repetidamente al chino, porque el idioma chino tiene cuatro cadencias y nosotros en China no podemos cantar en un tono plano: ¿Has comido hoy? Debe sonar gracioso. Entonces, cuando nos encontramos con esta "recitación seca", simplemente nos quitamos el rap y lo cambiamos por diálogo. Pero en el siglo XIX, con la melodización gradual de los recitativos de ópera, por ejemplo, cuando cantábamos óperas como "La Traviata" y "Carmen", los recitativos se tradujeron al chino. Con un poco de melodía, podemos encontrar cuatro tonos chinos que coinciden con la melodía.

Un conjunto de dos o más cantantes

Un dúo es cuando varios personajes diferentes cantan simultáneamente de acuerdo con sus propias emociones específicas y tramas dramáticas. Dos personas cantando al mismo tiempo se llama dúo. A veces los roles secundarios y opuestos se organizan en una sola obra. Podría ser un trío, un cuarteto, un quinteto. Hubo un sexteto en "El barbero de Sevilla" de Rossini e incluso hubo un sexteto en "Las bodas de Fígaro" de Mozart. Más de una docena de personas cantan juntas, a veces en grupos. Un grupo de tres o cinco personas expresaron sus opiniones, algunas simpatizaban con Fígaro, otras simpatizaban con el conde y otras se reían. Este compositor es excepcional.

Otra forma es el coro para escenas multitudinarias. Como se mencionó anteriormente, puede ser una voz masculina, una voz femenina, una voz mixta o una voz infantil según los requisitos de la trama.

La ópera tiene historias y las arias tienen letra, y la letra está muy relacionada con el desarrollo de la música y el teatro. Por lo tanto, al introducir óperas occidentales en China, ¿es mejor mantener su "sabor original" mediante la traducción o cantando los textos originales? Siempre ha habido dos opiniones, cada una con sus propios méritos. Después de la fundación de la República Popular China, los trabajadores de la ópera chinos hicieron grandes esfuerzos en la traducción al presentar las óperas occidentales. Una cuestión importante aquí es que el lenguaje literario no sólo debe traducirse bien, sino que también debe ajustarse a las reglas de la música cuando se combina con música, para que el público se sienta cómodo y aceptado. Este es un tema de conocimiento y una tarea muy ardua que requiere un traductor con un alto conocimiento musical o la cooperación de un traductor y un músico para hacerlo bien. Mi opinión personal es que como el público viene a ver un espectáculo hay que entenderlo. Al introducir óperas occidentales en China, es mejor traducirlas al chino para que la gente pueda comprender fácilmente la trama y el drama de la música de la ópera en cualquier momento y apreciar las actuaciones de canto y actuación. Al menos puede hacer que nuestra audiencia china sienta que nuestros músicos realmente quieren que comprendan el encanto de la ópera occidental. La moda social de los últimos años es cantar canciones con texto original y subtítulos en chino. Aunque puede mostrar el nivel de nuestros actores cantando el texto original y puede ser atraído por agentes extranjeros e invitado a actuar en el extranjero, hasta donde yo sé, para el público, la ópera occidental tiene un rango de aceptación más amplio y un público más reducido. Todos pensarán: olvídalo. No quieres que lo entendamos de todos modos. Además, los textos originales de algunos actores no son de alta calidad y nadie puede entenderlos.

Una forma de drama. Consiste en un texto dramático (letra) musicalizado, a menudo acompañado de música cuando se canta.

Además de solistas, cantantes, coros y músicos, las representaciones de ópera suelen contar con bailarines desde el principio. Esta forma compleja y costosa de música, teatro y entretenimiento ha deleitado al público durante cinco siglos. La diferencia obvia entre este y otras formas dramáticas es que sus líneas se expresan con canto y no con palabras. La diferencia con musicales como las operetas y las comedias musicales radica en la seriedad de sus obras, el rigor de su estructura y la seriedad de su acompañamiento; sexo.

En la antigüedad existían obras que combinaban la poesía y el teatro con la música. Los dramaturgos griegos antiguos Esquilo, Sófocles y Eurípides utilizaron coro en sus obras. Los dramas religiosos medievales basados ​​en la Biblia, como las obras de milagros y las obras de milagros, generalmente iban acompañados de algún tipo de música. Éstas y otras formas musicales y dramáticas pueden considerarse las precursoras de la ópera. La ópera se produjo en Florencia, Italia, a finales de 2016. La primera ópera, "Daphne", escrita por los poetas pastorales renacentistas Ottavio Rinuccini y Jacopo Pelli, se ha perdido. El libreto de ópera más antiguo que se conserva, "Euridice", también es obra suya. Sin embargo, las obras de los dos padres de la ópera fueron exploratorias tanto en género como en estructura. Unos diez años después, se estrenó la obra maestra de la ópera "Fafra Dolfeo" de Claudio Monteverdi. Entre ellos, el acompañamiento instrumental se convirtió en un factor dramático; los temas de las óperas de esa época eran principalmente mitos, leyendas e historias históricas de ficción griegas y romanas.

Teatro de la Ópera

En 1637, se completó en Venecia el primer teatro de ópera del mundo, el Teatro di San Cassiano (Teatro di San Cassiano), que se abrió al público general. La época en la que la ópera estaba monopolizada por la familia real y los aristócratas, promovió en gran medida el desarrollo de la ópera. Francesco Cavalli fue alumno de Monteverdi y el compositor de ópera más famoso de su época. Compuso unas 40 óperas para la Ópera de Venecia entre 1639 y 1669, la más famosa de las cuales es "Giason". El escritor de ópera italiano Pietro Antonio Chesti, contemporáneo de Caffari, también escribió muchas óperas, la más famosa de las cuales es "Siete noches". Después de mediados del siglo XVII, el género de la ópera veneciana comenzó a decaer, aunque todavía había varios compositores talentosos, como Galuppi, a quien a menudo se le llama el "padre de la ópera".

Otras ciudades de Italia, como Roma, pronto desarrollaron sus propios dramas locales. A diferencia de Venecia, las óperas romanas no enfatizan la grandeza del escenario, prefiriendo usar interludios cómicos para restar importancia a la atmósfera trágica de toda la obra, centrándose en oberturas instrumentales y movimientos de interludio al estilo de obertura. En Roma también hay muchos escritores de ópera famosos, como Virgilio Marzzogli Marco Marazzoli, que escribió la primera ópera cómica completa "Chisov Sperry".

En el siglo XVIII, el centro de ópera italiano se trasladó a Nápoles y surgieron varios géneros de ópera uno tras otro, influyendo así en los centros de actividad de la ópera italiana y en muchos extranjeros. La cuestión es hacer que la música obedezca a la letra y que sea comprensible. Contribuyeron los letristas Zeno y Metastadzio. Dominan las arias de ópera, especialmente las de tres partes. La ópera napolitana tiene armonías simples, melodías más ligeras y un magnífico tono rococó. Los escritores representativos incluyen a Alessandro Scarlatti, Porpola, Finch y Leo.

En 1720, el veneciano Marcello escribió "Il teatro alla moda, O sia me todo sicuro, también conocido como el método infalible de creación e interpretación de ópera italiana" e easible per Ben compro re ed esa guire opera italiane in musica), satirizando los crecientes estereotipos en la ópera que debilitaban el drama, dando lugar a experimentos de reforma de la ópera, pero con poco éxito.

En el siglo XVII se desarrollaron las óperas cómicas satíricas independientes. Al principio, a menudo se intercalaba entre escenas de la ópera. En el proceso de maduración, ha restaurado algunas características serias y emocionales de los dramas ortodoxos, lo que ha mezclado muchas conversaciones cruzadas. "El barbero de Serbia", "Las bodas de Fígaro" y "Las bodas" son obras representativas de este período.

La ópera se introdujo en Francia antes de 1650. La primera ópera francesa, "Beaumont", se estrenó en 1671 en la ceremonia de inauguración de la Real Academia de Música (ahora Ópera de París).

Pero no fue hasta la época de Giovanni Battista Lulli que la ópera se convirtió en un arte verdaderamente francés. La italiana Luli fue a París para aprender de las características del teatro y el ballet franceses y crear una ópera francesa. No le gustaban las arias italianas y, en su lugar, defendía canciones breves y animadas. Reformó el recital y desarrolló la Obertura francesa basada en las recitaciones de la compañía de comedia francesa. El estilo de Lully alcanzó su cenit en las óperas de Jean-Philippe Rameau, cuyas obras principales incluyen Hippolyte et Arici.

Después de la introducción de la ópera en Alemania y Austria en 1627, surgió la "ópera popular" y surgieron varios escritores de ópera, como Mozart, Handel, Beethoven, etc. Entre sus principales obras se encuentran “La Flauta Mágica”, “Orlando”, “Las Bodas de Fígaro”, “Don Juan”, “Fidelio”, “El Mundo en la Luna”, etc. En 1769, Ranieri de Calzabighi y G. Luc publicaron un importante documento sobre la innovación de la ópera: "El Prefacio a la Ópera "Arsi". Creía que las arias redundantes y extravagantes de tres partes deberían ser abolidas y reemplazadas por expresiones simples y sentimientos verdaderos. El deber de la música es "servir a la poesía". Las obras representativas de Gluck incluyen "Iphigenium Orid" e "Iphigenen Taurid". Sus ideas reformistas tuvieron una gran influencia.

Después de que la ópera se introdujo en Gran Bretaña, tardó mucho tiempo en echar raíces en Gran Bretaña. La primera ópera inglesa fue Dido y Eneas escrita por Henry Purcell. Rompe los límites entre la recitación y el canto. La representación de "The Beggar's Opera" finalmente acostumbró al público británico a escuchar una obra de teatro cantada en su idioma nativo.

Desde finales del siglo XVIII hasta principios del XIX, la ópera cómica francesa se desarrolló enormemente. En 1752 se representó la ópera cómica en un acto de Rousseau "Guerre des Bouffons". Escribió una partitura en forma de popurrí, combinando melodías que reflejaban el amor romántico muy popular con actos de vodevil, muy franceses. A partir de entonces, esta nueva ópera híbrida dominó la escena operística de París y otros lugares. Entre los dramaturgos notables se incluyen Monsigny, Grétry, Mehure y François-Adrien Erdy. Desde Bois Erdi, la ópera cómica francesa se ha vuelto más italiana, reflejando la influencia de Rossini. Durante este período, la ópera italiana decayó. Más tarde, talentosos compositores de ópera como John Simon Mayer, Rossini, Guattano Donizetti y Bellini crearon "El barbero de Serbia", "Anna Bolena", "Il "Pilata" y varias obras de ópera de renombre mundial.

La “Gran Ópera” nació en París en el siglo XIX. Es una ópera a gran escala con un estilo internacional, con historias históricas o ficticias como tema, y ​​el escenario está lleno de disfraces elegantes, ballets y varias colas. Prácticamente abandona las sutilezas del bel canto y amplía enormemente la propia orquesta y su papel en el drama. La primera ópera importante reconocida fue Robert Le Diab de Giacomo Meyerbeer. Después de Meyer Bell y Fromenthal Halevi, la gran ópera comenzó a reflejar nuevas tendencias musicales y desarrolló diversas formas híbridas. También hubo escritores de ópera franceses de este período, entre ellos Berlioz y Offenbach. Entre sus principales obras se encuentran "Oluphi y Troya", "Los cuentos de Hoffmann", etc.

La ópera romántica alemana es la precursora de la música romántica alemana como "De Fleischutz". También hay operetas que surgieron durante este período, como la obra representativa de Johann Strauss "El murciélago".

Los compositores de ópera famosos posteriores al siglo XIX incluyen a los italianos Verdi, Puccini, Busoni, etc. Wagner, Richard Strauss, Hans Pfitzner, Schönbeck, Berger, etc. De Alemania y Austria; de Francia, Gounod, Bizet, Thomas, Jules Massignet, Debussy, Ravel.

Después de la introducción de la ópera en Rusia, se representaron por primera vez obras extranjeras, seguidas por Rimsky-Gorshakov, Borodin, Modest Mussorgsky y Chai. Hay varios compositores de ópera destacados como Kovsky, Stravinsky y Progofi, como como Mikhail Ivanovich Glinka, el padre de la ópera rusa.

A mediados del siglo XX, la ópera casi se había convertido en un arte de museo, en su mayoría repetía obras antiguas y rara vez obras nuevas. Algunos escritores creen que el futuro de la ópera está en las obras de teatro y otras formas de ópera híbridas que se parecen a las óperas y sorprenden al público, mientras que otros creen que el futuro de la ópera está en varias operetas compuestas para representaciones en fábricas y escuelas.