Pop R&B Jazz Hit-Hop Rock

Introducción a los diez mejores tipos de música

⒈ R&B (HIP-HOP)

El nombre completo de R&B es Rhythm & Blues, que generalmente se traduce como "Ritmo y Blues". En un sentido amplio, el R&B puede considerarse "música pop negra". Se originó a partir de la música blues negra y es la base del pop y rock occidental actual. La revista Billboard alguna vez definió el R&B como toda la música negra, excepto el jazz y el blues. puede clasificarse como R&B, lo que muestra cuán amplio es el alcance del R&B. El hip hop y el rap, que se han vuelto muy populares en el círculo de la música negra en los últimos años, tienen su origen en el R&B y, al mismo tiempo, conservan muchos elementos del R&B.

⒉ RAP

El origen de la música rap se remonta a los pasajes de cánticos en las raíces de la música negra. En la década de 1970, la música rap estableció formalmente su propia música. estilo, entre los cuales el mayor crédito debe atribuirse a los DJ de las discotecas populares de la época. Mezclaron el ritmo funk que era popular entre los negros de la época con el ritmo disco popular y repitieron el contenido del mismo. graban en el tocadiscos para crear sus propios LOOPS Con la aparición de los métodos "djing" que ahora son bien conocidos y ampliamente utilizados por los DJ, el rap comenzó a difundirse por la cultura callejera negra y generó ramas bastante ricas, como la occidental. Coast Rap (Rap de la costa oeste), Rap sureño (Rap sureño, Rap pop, Old Schold, Rap del Medio Oeste, Rap latino, Rap incondicional, Rap gangsta, Rap extranjero, Rap de la costa este, Rap cruzado, Rap de comedia, Rap cristiano, Rap alternativo , etc. Etc., lo que ahora llamamos HIP-HOP es un nuevo vocabulario nacido de la síntesis de elementos populares actuales de estos géneros. Aunque algunas personas pensaban ya a principios de los 90 que este tipo de música, llena de malas palabras y palabras rebeldes, pronto desaparecería, de hecho, a finales de los 90, con un grupo de nuevos músicos de rap y gente blanca, con la popularidad. de la música basada en el rap y el rock, la música que alguna vez fue abandonada por los negros ha vuelto a la vanguardia de la música popular. Al menos en el nuevo siglo, esta tendencia no disminuirá.

El RAP es la quintaesencia de. La música negra americana es un componente importante, el tono principal de la cultura callejera y un trozo de "chocolate negro" en la música pop mundial. Este artículo intenta presentar varios cantantes/grupos de RAP estadounidenses populares para que los fanáticos puedan comprender la información de fondo de estas personas y encontrar sus estrellas de RAP favoritas.

Antes de nada, introduzcamos brevemente el origen y proceso de desarrollo de la música Rap

⒊ Música Rock (un poco como el punk, pero más cómoda que el punk)

A, B, C y Todos tienen la suya La respuesta, ¿te gusta o no te gusta? ¿A, B, C y D están sonriendo o tristes? Olvídalo, no hablaré de qué es el rock and roll aquí como un joven que se aventura en un mundo diferente por primera vez, viendo una película llamada “Escuela de Rock”, pero no puedo evitar querer hacerlo. Pregunte: ¿Cuál fue su iluminación? Pink Floyd, Led Zeppelin, Jimi Hendrix, The Beatles, Bob Dylan, "Elvis Presley", "Elvis Presley, Michael Jackson, Madonna, ¿tenemos un tema en común? ¿Podemos también formar una banda de rock?

"School of Rock" desencadenó mi recuerdo fragmentario de la música rock en una trama sencilla: ¿En manos de quién cayeron los discos rojos y azules de los Beatles? ¿El "Mundo del Audio y el Vídeo" acumulado número tras número probablemente se haya convertido en pulpa, lleno de otras palabras? ¿Cuánto tiempo llevan los dos gruesos volúmenes de "La Guía del Rock and Roll" sin usar en un rincón de la estantería?

Pero la película realmente quiere decirte: la música rock es en realidad muy común. Ha sido durante mucho tiempo una industria organizada: las personas con talento musical forman bandas, las guitarras clásicas colocadas verticalmente se convierten en el arma del rock and roll. ¿Mi querido violonchelo no se convertiría en bajo después de perder peso? Por supuesto, es muy fácil para un pianista hablar sobre el teclado: las películas de comedia animadas siempre han encontrado objetos para ridiculizar, por lo que la música clásica tiene que ser agraviada temporalmente. De todos modos, hay más películas importantes que te necesitan. También están la iluminación, el estilismo y el vestuario de las bandas subordinadas... todos esperan que todos cumplan con sus deberes. Los pocos que realmente no tienen nada que hacer pueden convertirse en fanáticos exclusivos de la banda: la niña con una apariencia infantil. Face preguntó seriamente: "Fans" ¿No se van a acostar con el músico? No, no, no, una linda chica que no estaba dispuesta a ser una simple fanática de la música se convirtió en manager de una banda debido a su habilidad para hablar bien. La película utilizó a Dewey, un músico de rock deprimido, para transformar a los hijos de los ricos en un. escuela primaria de clase media se transformó instantáneamente en un pequeño grupo de rock que operaba como un "servicio integral".

La escena en la que el músico de rock Dewey, conocido anónimamente como Mr. S, distribuye discos de rock and roll frente a la plataforma de enseñanza es realmente fascinante - mira, ¿cuántos años tiene ese disco de "The Dark Side"? of the Moon"? Cuando conozcas a alguien en el mercado de CD, no lo acuses de "destruir gente". En esos cortos días, lo que trajo no fue la gran misión de "enseñarte". Lo que fluye con esta comedia es en realidad una especie de ternura y relajación de tomar un descanso y disfrutar de las vacaciones. No tiene nada que ver con desafiar el sistema, enseñar a los estudiantes de acuerdo con sus aptitudes y no tiene nada que ver con ideales y creencias.

El Sr. S se paró en el podio, frente a esos adorables niños, y dijo: Utilicen el rock and roll para servir a la sociedad. Entonces escuchamos una canción de rock compuesta por un niño, que poco a poco cuenta un poco sobre los problemas de un adolescente en medio del inexplicable dolor, la tristeza y la locura del mundo adulto. En ese momento, la música no expresaba el estado de ánimo de una forma específica. todos, eso es una canción!

Usar una película relajada y alegre para decirte que el rock and roll es parte de la vida también es otra forma de recomendar el rock and roll a los serios. El método nunca es el único, el Rock'n Roll.

⒋ Jazz (Blues, Soul)

Probablemente el más influyente entre la llamada “música pop” del siglo XX. siglo fue el jazz. Existen diversas teorías sobre su origen, algunas de las cuales rozan la leyenda. Se han realizado innumerables estudios especializados sobre su forma musical. Sin embargo, todavía nos resulta difícil responder simplemente a la pregunta más básica: "¿Qué es el jazz?" Alguien le preguntó una vez al famoso maestro de jazz Louis Armstrong: "¿Qué es exactamente el jazz?". nunca lo entenderás en tu vida”.

El jazz se originó en Nueva Orleans, Estados Unidos. Esta ciudad fue una vez la capital de Luisiana, ubicada en la desembocadura del río Mississippi, y jugó un papel muy importante. papel en la historia de los Estados Unidos.

Luisiana tiene varias características principales: 1. Tiene un clima cálido y es rica en caña de azúcar y algodón 2. Originalmente fue una colonia francesa (Louisiana LOUISIANA significa "lugar de Luis". Cuando el lugar fue nombrado en 1682, los franceses rey Luis XIV), el gobierno estadounidense se lo compró a Napoleón en 1803 por 15 millones de dólares, pero el idioma francés no desapareció con el cambio de gobierno 3. Debido a las necesidades de las grandes plantaciones, aquí es donde se concentra la mayor concentración de esclavos negros; , hasta ahora los negros representan un tercio de la población de este estado; 4. Debido a su posición estratégica muy importante, este es un campo de batalla para los ejércitos franceses, españoles, británicos y estadounidenses que han luchado duro. 1861, el norte y el sur de los Estados Unidos Durante la guerra, este fue también el campo de batalla donde los ejércitos de ambos bandos lucharon ferozmente. Son estas características las que la convierten en la cuna del jazz.

Entre los componentes musicales del jazz, se encuentran los ritmos de la música negra originaria de África, el legado de la música religiosa simplificada, las canciones laborales de las plantaciones y las técnicas de interpretación de esa época evolucionaron a partir de canciones y canciones populares. sus estilos de canto. Storyville (traducido literalmente como "Ciudad de la Historia"), el barrio rojo de Nueva Orleans, es generalmente considerado como el lugar de nacimiento del jazz moderno. Aquí hay muchos músicos negros que son expertos en improvisación y que a menudo utilizan instrumentos de ambos lados durante la actuación. Guerra Civil. Instrumentos de viento sobrantes del ejército. En 1917, Storyville fue cerrada por la policía, por lo que estos músicos negros se fueron a otros lugares para ganarse la vida. La ciudad más concentrada y famosa fue Chicago. En unos pocos años, el jazz había reemplazado al ragtime como la música más popular. Originalmente sólo era popular entre los negros, pero desde entonces se ha convertido gradualmente en la música de baile más popular del mundo y su fanatismo ha superado a los valses y polkas más populares en el pasado. El estilo del jazz también ha entrado en la sinfónica, en la sala de conciertos, en las aulas universitarias y se ha convertido en un curso formal.

Existen muchas teorías sobre el origen de la palabra "jazz". Una de las teorías más creíbles es que proviene de la palabra francesa jaser. Como se mencionó anteriormente, los residentes de estos estados del sur de Estados Unidos hablaban francés en ese momento. El significado original de jaser era charlar y decir tonterías; la música era la principal forma de entretenimiento de los esclavos negros. Tocaron los instrumentos al azar, cantaron canciones variadas y marcaron el ritmo con lo que tuvieran a mano. No había notación ni armonía que todos tuvieran que seguir, y no había restricciones técnicas. charlando, eso es exactamente lo que significa la palabra jaser. Hay muchas otras teorías, por ejemplo, algunas personas dicen que proviene del nombre de un baterista. Debido a que puede llevar la música al clímax con emocionantes ritmos de batería, el público grita su nombre en voz alta cada vez que quiere efectos más emocionantes. Con el tiempo, se convirtió en el nombre de esta música; algunas personas creen que, basándose en el análisis del trasfondo cultural del lugar donde se interpretaba el jazz (a*house) y de los participantes (esclavos negros), la palabra se originó en los negros locales. dialecto y comportamiento sexual. La primera aparición oficial conocida de esta palabra fue en 1914, cuando una banda de Chicago recibió el nombre de "Old Dixieland Jazz Band". En 1917, el disco grabado por Victory Company para la banda utilizó el nombre "jazz".

Los primeros instrumentos de las bandas de jazz incluían banjos, pianos, violines, saxofones, instrumentos de metal simples e instrumentos de percusión. Los músicos no utilizan partituras en absoluto, sino que dependen exclusivamente de su propia memoria e imaginación para tocar. Una situación común es que primero se toca una canción conocida en el piano y se tocan otros instrumentos uno tras otro. Aunque el esquema de la canción no ha cambiado, después de tal improvisación, se ha "jazzeado" y cambiado. se convirtió en algo más de lo que nadie había oído hablar jamás.

En otras palabras, el jazz no tenía ninguna característica melódica al principio, sino que se caracterizaba principalmente por la improvisación sin partituras; pero a medida que se hizo más popular, los músicos desarrollaron melodías más novedosas. Las primeras fuentes son principalmente de campo negro. canciones, blues, espirituales, canciones pop blancas y canciones folklóricas, y el factor que mayor influencia tiene en el jazz en términos de ritmo, además de algo de música bailable en África y Sudamérica, es la música "Ragtime". Las características específicas de estos factores se presentarán a continuación.

Como acabamos de mencionar, una característica importante del jazz es la improvisación, pero, como cualquier otra forma de música, es casi impensable si no existe un método de grabación después de un desarrollo a largo plazo.

Las bandas de jazz posteriores utilizaron partituras, pero el grado de dependencia de las partituras era diferente, lo que llevó a la distinción entre "straight jazz" (tocar según la partitura) y "sweet jazz" (improvisación). Sin embargo, cabe señalar que este tipo de nombre es muy confuso y, a menudo, es solo un dicho común que fue popular en un período determinado. Además, incluso si tocas según la partitura, todavía hay muchos elementos de improvisación, como esta notación:

Los músicos pueden tocar:

Y tal " rutina" Notación:

El efecto de la interpretación será similar a:

En general, la música jazz es de dos tiempos, con dos o cuatro tiempos por compás. Este fondo rítmico de doble tiempo siempre existe en el bajo, lo que le da al jazz una base rítmica estable y regular. Por encima del bajo rítmico, hay partes melódicas, armónicas y de contrapunto con posiciones de acento irregulares. Sus habituales efectos de síncopa contrastan fuertemente con las partes de bajo habituales.

Entre las melodías del jazz, además de los elementos extraídos de la música tradicional europea, las canciones folklóricas blancas y las canciones populares, la más distintiva es la "escala de blues" (sobre la estructura de esta escala, se presentará específicamente en la sección sobre blues), y se puede decir que la armonía del jazz se basa completamente en la armonía tradicional, pero utiliza varios cambios de acordes con mayor libertad. La diferencia principal también se debe a los acordes de blues.

El jazz es único en los instrumentos y métodos de ejecución utilizados, lo cual es completamente diferente de las bandas tradicionales. Desde la "Era del Jazz", el saxofón se ha convertido en uno de los instrumentos más vendidos; el trombón es capaz de tocar slides divertidos o extraños que otros instrumentos de metal no pueden hacer, lo que lo hace popular en las bandas de jazz. También es el instrumento preferido; por los músicos de jazz el nuevo timbre producido por este instrumento más diferentes sordinas y las diversas notas en el rango más alto casi se han convertido en las características tímbricas únicas del jazz, el banjo y la guitarra y, posteriormente, apareció la guitarra eléctrica que ocupa una posición importante por su potencia; Sonido de percusión y capacidad para tocar acordes. Por el contrario, los instrumentos de cuerda más importantes (violín, viola, violonchelo) en las bandas tradicionales desempeñan un papel relativamente secundario. El rico tono del corno francés es muy encantador en la orquesta, pero para la banda de jazz su temperamento es demasiado dócil; , casi nadie lo usa. En una orquesta, cada instrumento hace todo lo posible para integrarse en el sonido general en términos de timbre y control de volumen. En una banda de jazz, es todo lo contrario. Los músicos hacen todo lo posible para que cada instrumento "se mantenga firme".

La formación de la banda es muy flexible. Las partes más básicas son el grupo rítmico y el grupo melódico. En las primeras bandas de jazz, la sección rítmica constaba de bombardino, banjo y batería. Más tarde, el bombardino y el banjo fueron reemplazados gradualmente por contrabajo (bajo) y guitarra, y también se añadió el piano. En la década de 1930 surgió una banda de baile, entonces llamada "big band", que constaba de tres partes: sección rítmica, sección de metales y sección de instrumentos de viento. Los instrumentos utilizados por la sección rítmica siguen siendo el contrabajo, la guitarra, el piano y la batería; la disposición común de la sección de metales es de tres trompetas y dos trombones, pero este número no es fijo; todos tocan también el clarinete u otros instrumentos de viento de madera. Si hay cinco saxofones, normalmente dos altos, dos tenores y un alto. También hay una especie de banda comercial (a veces también llamada "dulce", "hotelera", etc.). La organización es similar a la "big band", pero a menudo se utilizan todos los saxofones tenores y hay más grupos de instrumentos de viento. Suelen utilizar otros instrumentos (como flautas, oboes) y, a veces, tres o cuatro violines. El sonido de este tipo de banda suele escucharse en cintas comerciales.

En comparación con la música tradicional, otra característica importante del jazz es su método de pronunciación y timbre, ya sea un instrumento o una voz humana, estas características son suficientes para que la gente nunca las compare con ningún timbre de música tradicional. confusión. La mayoría de estas características especiales provienen de la imitación de canciones populares afroamericanas con instrumentos musicales o voces. Si tenemos la oportunidad de escuchar canciones reales del campo negro y canciones espirituales, descubriremos cuán distintivos son los cambios dramáticos de ásperos a suaves, de sofocantes a fuertes, de ásperos a suaves, de bárbaros a líricos y conmovedores. En el jazz se añaden rugidos, gritos y gemidos no cantados para acentuar este sentimiento. Además, las técnicas especiales de interpretación y canto también son medios importantes para crear efectos especiales. Entre estas técnicas, la más utilizada es el vibrato, que es diferente de los conceptos tradicionales.

Sabemos que el llamado vibrato es causado por cambios regulares de tono (y a veces de intensidad; por ejemplo, el vibrato del violín utiliza este cambio para producir un efecto de sonido vibrante); El vibrato en el jazz cambia. La dirección del cambio es generalmente de estrecha a ancha y de lenta a rápida. La amplitud y la velocidad del vibrato a menudo aumentan cerca del final de una nota, lo que mejora aún más la expresividad de esta técnica. Al mismo tiempo, los músicos de jazz se deslizarán de abajo hacia arriba hasta un tono predeterminado al comienzo de una nota y volverán a deslizarse hacia abajo desde el tono original al final. Todos estos cambios no se pueden registrar en detalle utilizando notación musical. Los músicos de jazz experimentados dominan este tipo de método, especialmente este concepto. Pueden "fabricar" estos efectos de acuerdo con diferentes melodías o patrones de acompañamiento. Por tanto, se puede decir que debido a la tradición de la improvisación y el juego individual de habilidades, el jazz es creado conjuntamente por compositores y músicos. La razón por la que a los músicos con educación clásica les resulta difícil tocar jazz es porque no han desarrollado conceptos musicales tan especiales. Si comparamos cuidadosamente la diferencia entre cantantes folclóricos reales y cantantes formados formalmente que cantan la misma canción popular, tendremos un concepto más intuitivo del significado.

Desde el nacimiento del jazz, ha atraído a muchos compositores que han cambiado de carrera. En 1920, el director de orquesta estadounidense Paul Whiteman organizó una famosa banda y llevó a las salas de conciertos obras de jazz adaptadas. Esta nueva tendencia despertó una feroz oposición por parte de muchos amantes del jazz "serios". Sin embargo, fue a partir de entonces que el jazz se convirtió en un nombre familiar y se hizo muy popular en los Estados Unidos y Europa. En esta época nació "Rhapsody in Blue" de Gershwin, y la persona que orquestó esta obra fue Grofi, el compositor de la Whiteman Band. Según los registros del manuscrito, solo tomó tres semanas escribir esta obra y causó sensación casi inmediatamente después de la representación. Los compositores europeos también tienen muchas obras basadas en el jazz o influenciadas por el jazz, como: la música para piano de Debussy "La danza del monstruo negro" (1908), "Il Trovatore" (1910), "Weirdo LaVey" "General" (1910) el movimiento lento (blues) en la Sonata para violín de Ravel; "Ragtime para 11 instrumentos solistas" (1919), "The Soldier's Story" (1918)), "Blackwood Concerto" de Hindemith "Chamber Music No. 1" (Op. 24, atonal) y Suite para piano (1922).

⒌ La música country (música bluegrass, música swing, no rock and roll)

1. El nacimiento de la música country

Apareció la música country (música country). en el siglo XX En la década de 1920, se originó a partir de la música folclórica de las zonas agrícolas del sur de los Estados Unidos y se desarrolló por primera vez bajo la influencia de las canciones folclóricas tradicionales británicas. La música country más antigua es la música tradicional de montaña (Música Hillbilly). Tiene melodías simples, ritmo constante y narrativa. A diferencia de las canciones pop tristes de la ciudad, tiene un fuerte sabor rural. Las letras de la música de montaña se centran principalmente en la ciudad natal, el amor perdido, los viajes y las creencias religiosas. El canto suele ser realizado por cantantes solistas, a veces con cantantes de acompañamiento, y los instrumentos de acompañamiento incluyen violín, banjo, guitarra, etc. (antes de la mitad). - Década de 1950, está representada la música country tradicional (sin tambores en la banda). Actúa principalmente en hogares, iglesias y ferias rurales, y en ocasiones participa en giras regionales. Está aislada de la vida cultural de las grandes ciudades y siempre ha estado en estado de autoaislamiento.

En la década de 1920, algunas estaciones de radio comenzaron a reproducir música de montaña para atender a los oyentes rurales, como el programa "National Barn Dance" de Chicago (1924), "Old Fashioned" "Grand old Opry" de Nashville. El programa (1925), etc., son muy populares. Esta práctica animó a los músicos de música montañesa a acudir a las estaciones de radio para grabar, y también inspiró a las discográficas a descubrir talentos y grabar discos en diversos lugares. A partir de entonces, la música de montaña comenzó a fusionarse con la corriente principal de la música pop estadounidense y surgió el primer grupo de cantantes de country, como Jimmie Rodgers y el grupo de canto "Carter Family".

Jimmie Rodgers (1897-1933) mezcló blues, yodels, folk y otros estilos musicales. Es considerado el fundador de la música country y tiene el título de "Rey de la música country".

Su canto es tranquilo y pausado, y ha desarrollado un método de canto folclórico de montaña único que alterna entre sonidos verdaderos y falsos: el "yodel azul". Aunque sufrió una enfermedad pulmonar durante toda su vida, nunca abandonó su dedicación a la música country. De 1929 a 1933, Rogers grabó ciento diez canciones. El 26 de mayo de 1933, Jimmie Rogers, que estaba en su mejor momento, murió debido al deterioro de su condición.

"The Carter family" (La familia Carter, compuesta por Alvin Carter, 1891-1960, su esposa y su cuñada) utiliza un estilo cómodo y armonioso y se centra en el hogar y la familia. fe y otros temas y se ganó el amor del público. Para artistas como la familia Carter, cantar es sólo una forma amateur de ganarse la vida. Pero en la etapa inicial de la música country, hicieron una gran contribución al desarrollo de la música country y también dejaron valiosos materiales de grabación para la música country antigua.

2. Western Swing

En la década de 1930, debido a la crisis económica en el sureste de Estados Unidos, las ventas de discos cayeron drásticamente y la música country sólo pudo mantenerla durante un gran número de años. audiencia de radio. En ese momento, se produjo un fenómeno: el grupo de canto original fue reemplazado gradualmente por el canto individual. Personas como Roy Acuff y Gene Autry se convirtieron en el centro de atención en este momento. En este contexto, Bob Wills de Texas incorporó una gran cantidad de canciones de vaqueros occidentales (una canción de amor romántica del campo) y elementos de swing a la música country para crear un estilo de swing occidental similar a una formación de "big band". En 1933, Bob Wells introdujo con éxito este nuevo estilo en el mercado que combinaba ritmos de baile, sonidos de violín, formaciones de big band, canto de jazz, batería y guitarras distorsionadas, dándole así el nombre de "Western Swing" King".

3. Música Bluegrass

En la década de 1940 apareció otra rama de la música country en las montañas de Kentucky, llamada Bluegrass Music. Se desarrolla sobre la base de la música country, absorbiendo factores como la música de banjo y violín de la antigua trilla del maíz local, así como canciones narrativas de las montañas del sur.

El canto de la música bluegrass es generalmente de varias partes. Además de la parte de la melodía principal, a menudo hay una parte de armonía superpuesta en falsete y, a veces, se agregan una o dos partes adicionales debajo de la melodía principal. una parte de bajo. Sus instrumentos de acompañamiento son únicos en forma de banjos y violines, y en ocasiones también se utilizan instrumentos populares como mandolinas y contrabajos. La falta de batería en la música country tradicional también se conserva en la música bluegrass. El tempo de la música bluegrass es generalmente relativamente rápido, entre 160 y 330 pulsaciones por minuto.

La música bluegrass estuvo influenciada por el jazz durante su desarrollo, y a menudo aparecen magníficos solos improvisados ​​en los pasajes instrumentales. En la década de 1970, cuando otras músicas country adoptaron generalmente instrumentos electroacústicos, todavía usaban instrumentos tradicionales. Los músicos y bandas de bluegrass famosos incluyen: la banda "Bluegrass Boys" dirigida por Bill Monroe (1911~), los Osborne Brothers, "The Johnson Mountain Boys" Johnson Mountain Boys), "The Nashville Bluegrass Band" (The Nashville Bluegrass Band), etc.

4. El sonido de Nashville

En la década de 1950, Nashville se convirtió en un campo de concentración de música country, y la mayoría de los músicos country famosos procedían de aquí. Por lo tanto, el "Nashville Sound" se ha convertido en sinónimo de música country.

Antes de la Segunda Guerra Mundial, aunque la música country había tenido una gran difusión, en general seguía siendo un género musical regional. La guerra aceleró el movimiento de población, lo que provocó un mayor contacto entre personas de diferentes orígenes culturales. En particular, muchos jóvenes de las zonas rurales del sur emigraron a las ciudades del norte, del este y del oeste.

Como resultado, la influencia de la música country se expandió aún más, convirtiéndose en una forma de música popular con influencia nacional, y oficialmente se llamó música country (la música country no tenía un nombre específico antes de esto), a veces también llamada música country y occidental).

Muchos músicos country contribuyeron decisivamente a sacar la música country del sur o del medio oeste, siendo el mayor contribuyente Hank Williams.

Hank Williams (1923～1953) nació en Alabama en 1923. Estilísticamente, no estaba ni cerca del estilo de armonía del Sureste ni del popular estilo swing occidental del Oeste, y creó un estilo de canto melancólico pero decidido. El estatus de Hank Williams en la música country en la década de 1940 era como el de Jimmie Rodgers en la década de 1920, o incluso superior.

Williams comenzó a grabar discos en 1946. Lanzó una serie de canciones que llegaron al mercado de la música pop, como "Lovesick Blues" y "No habrá lágrimas esta noche (tonight), "Your cheatin' heart" " y "Vuelves a ganar", etc. Entre ellos, la obra representativa más famosa "Jambalaya" (Ejemplo 12) se ha convertido en la obra maestra más famosa del mundo. Una canción clásica muy conocida. Williams también conservó cierto elemento religioso antiguo en su música, creando algunas poderosas canciones tradicionales de gospel.

El día de Año Nuevo de 1953, Williams murió de una sobredosis de drogas en el asiento trasero de su coche. Casi todos sus contemporáneos cantantes de country fueron influenciados por él, y es posible que tenga más canciones en el cancionero country que cualquier otra persona.

Debido a la prosperidad de la sociedad estadounidense tras el final de la Segunda Guerra Mundial, la música country se desarrolló rápidamente. Por ejemplo: en ese momento, el programa de radio "Old Theatre" tenía 10 millones de oyentes y el programa "Ethnic Barn Dance" se estaba volviendo cada vez más popular. El "Nashville Sound" pronto comenzó a extenderse por todo el país.

⒍ Música New Age (NEW AGE)

Música New Age----Música New Age también se traduce como Música New Age. Hay diferentes opiniones sobre su origen, pero una cosa es segura: la aparición de esta forma musical no será antes de los años 1970. El Diccionario Oxford de Música publicado en ese momento no tenía la entrada New Age. A finales de la década de 1960, algunos músicos alemanes integraron el concepto de sonido de sintetizador electrónico en una interpretación de sonido original o en una interpretación de improvisación, inspirando a muchos músicos nuevos a utilizar técnicas más diversas para explorar nuevos campos. La música de este período ya tenía el prototipo de la Nueva Era. En 1973, un grupo de músicos desconocidos se reunieron en un festival de música en San Francisco. Estas personas descubrieron de repente que, aunque nunca antes se habían comunicado, había muchas similitudes en la música de cada uno. Su música está creada desde el punto de partida de la meditación y el alma. Este tipo de música es diferente a cualquier música anterior. Ellos hacen esta música no popular, no popular. El estilo de música clásica y experimental se denomina New Age, que se refiere a una "música del nuevo siglo que hace época". Hoy, en la década de 1990, la música New Age presenta una apariencia más diversa. La industria musical ha formado una nueva fuerza con cientos de escuelas de pensamiento compitiendo por sus propios talentos. Por esto, New Age no es solo un término que simplemente define la diferencia entre estilos musicales, sino que simboliza la evolución de los tiempos y el nuevo estilo del siglo con la mejora de la connotación espiritual metafísica.

Aquí también hay una pequeña alusión. La Nueva Era también se refiere a la Era de Acuario.

Creen que la humanidad está entrando en la Era de Acuario, que simboliza el futuro de la humanidad. La búsqueda de transiciones materiales hacia la exploración del propio corazón. Aunque los seres humanos son diferentes en términos de calidad material, como raza, color de piel, idioma, creencias religiosas, etc., existe un hilo común en lo profundo del corazón humano. punto.

Por esto, todas las personas son del mismo origen e iguales.

Como dijo Loveland, el creador de Secret Garden: Todo el mundo tiene un jardín secreto en el corazón. Puedes encontrar consuelo aquí. Cuando te calmes y escuches "Song

From A Secret Garden" solo, sabrás que esta afirmación es cierta.

La música New Age suena a menudo a nuestro alrededor, y ahora cada vez más anuncios están empezando a utilizar New Age como música de fondo.

Muchas películas para televisión también tienden a utilizar New Age como fondo. canción final; los principales centros comerciales también han descubierto que es mejor reemplazar el sonido pop original por uno del nuevo siglo. Si buscas con atención, encontrarás que este tipo de música siempre ha estado con nosotros mientras crecíamos.

Cuando era niño, me encantaba ver "Animal World" narrado por Zhao Zhongxiang, y siempre lo recordaba. la canción de apertura de la película hasta Sólo cuando crecí

Descubrí que se trataba de una auténtica canción New Age. La canción se llamaba "Westay" y se puede encontrar en el álbum "The Future Sound Of World". "

A primera vista, la música New Age se sitúa a medio camino entre la música clásica y la música ligera, pero la música New Age es más variada porque

no se refiere a una sola categoría sino a una Categoría. , incluye casi toda la música que es diferente al pasado, simboliza el cambio de los tiempos e interpreta la mejora de la connotación espiritual

. Por lo tanto, encontrará que la música que se puede llamar del nuevo siglo es tan rica. Todos los sonidos naturales pueden aparecer en la música. Aquí se tratan por igual todos los tipos de instrumentos musicales, y la voz humana es aún más abundante, por parte de los cantantes. para los músicos indígenas

todo es tan natural. En términos generales, New Age todavía tiene sus propias características:

En primer lugar, la música New Age rara vez tiene un ritmo fuerte (pero la música de ENIGMA tiene un ritmo muy obvio), que es lo mismo que Rao

Tang y rock están en marcado contraste. Los dos últimos están casi llenos de diversos instrumentos de percusión, además del ritmo. Para el nuevo siglo, el ritmo puede ser limitante.

En segundo lugar, la música New Age a menudo tiene poco sentido de la melodía. Esto es diferente de la música pop, que requiere melodías hermosas y fáciles de recordar para que todos puedan cantarlas. A veces, después de escuchar una determinada pieza musical de la Nueva Era varias veces, todavía no puedo recordar su melodía. Es por eso que la Nueva Era da a todos tanto espacio para la imaginación.

En tercer lugar, la música new age siempre evita el uso de sonidos ásperos y rápidos, porque esto aumentará la presión de la música y, por lo tanto, destruirá

el sentimiento del oyente.

En cuarto lugar, la base de la música del nuevo siglo es la armonía y la armonía. Ha abandonado los métodos de producción de sonido del jazz y el rock, porque esto traerá falta de armonía y sentimientos desagradables.

⒎ Pop clásico

El pop clásico se refiere a la música pop con un sabor sinfónico clásico. Se pueden incluir en esta categoría canciones que utilizan principalmente acompañamiento de cuerdas, como "Eleanorrigby" de The Beatles. . "eso es. También se pueden incluir en esta categoría algunas obras de la banda australiana Crowded House. Si decimos Pop Clásico, nos referimos a canciones pop clásicas.

⒏ Canciones Populares

Las canciones populares (Folk) originalmente se refieren a los cantos tradicionales de cada nación. Los antepasados ​​de cada nación tienen sus propios cantos que existen desde la antigüedad. La mayoría no sabe quién es el autor y lo difunden oralmente, de persona a persona, de generación en generación, y se ha transmitido de generación en generación hasta el día de hoy. Sin embargo, las canciones populares de las que hablamos hoy se refieren principalmente a canciones populares de la era de la música pop. Se refieren a canciones que utilizan principalmente guitarras de madera como acompañamiento, cantan de una manera natural y franca y expresan los sentimientos simples de la vida. canciones. Se puede decir que los discos del cantante folk estadounidense Woody Guthrie de la década de 1950 son las primeras grabaciones de canciones populares, por lo que generalmente se las considera los antepasados ​​de las canciones populares modernas (Folk). Más tarde, Pete Seeger y The Weavers continuaron promoviendo este tipo de música. Durante la guerra de Vietnam en la década de 1960, ¿cantantes folklóricos pacifistas?/td>