Ilustraciones steampunk en blanco y negro: ¿cuáles son los estilos de diseño gráfico?
Once temas de ilustraciones steampunk
La estética del "steampunk" proviene principalmente del estilo de vestir de la época victoriana del siglo XIX y de la maquinaria impulsada por vapor desarrollada durante la revolución industrial. por su vestimenta típica nostálgica y sus accesorios cargados de equipo. Pero la popularidad del movimiento "steampunk" se debe también a otro aspecto: el arte de la ilustración.
En el contexto del steampunk, los artistas han realizado un gran número de representaciones y creado diferentes obras
Estas obras se distinguen por elementos y se pueden dividir aproximadamente en 11 temas
El principal encanto del steampunk proviene de la vestimenta, apariencia y comportamiento de varios personajes únicos
Como capitanes de naves espaciales, mercenarios que llevan cohetes, piratas voladores, etc., son muy comunes en los personajes steampunk
En este tipo de ilustraciones, los artistas suelen gastar mucha pluma y tinta, utilizando colores brillantes y una gran cantidad de escenas para resaltar las características de los personajes.
Steampunk enfatiza el avance de la imaginación Innovación tradicional
Por lo tanto, la fabricación de robots también es un hilo creativo que no se puede ignorar
Los artistas utilizan elementos ingeniosos como mecanismos de relojería, engranajes y dispositivos de transmisión para hacer que los robots parezcan únicos y Extraordinariamente interesante
Los robots gigantes son más interesantes que los robots mencionados anteriormente
Debido a que son más voluminosos y más destructivos, son los seres que pueden llevar toda la historia al clímax.
Y normalmente se convierten en herramientas de los rebeldes
Así que los artistas siempre disfrutan describiendo la destrucción sin sentido de estos grandes.
Naves espaciales, dirigibles. Son uno de los elementos básicos. temas de steampunk
Llevan el sueño de toda la tecnología futura y encarnan el aspecto más interesante de la cultura steampunk
Ocupan una posición importante en las ilustraciones steampunk
Cualquier la subcultura de fantasía derivará técnicas de dibujo relacionadas
Las historias interesantes de steampunk también son indispensables para la existencia de dibujos de diseño intrincados
Pueden pasar por La representación y el color son muy exquisitos, o puede ser un boceto extremadamente aleatorio
En el tiempo y espacio virtual del steampunk
El arte abstracto puede mostrar mejor su belleza única
En este tiempo y espacio, la energía mecánica es omnipotente, e incluso puedes ver imágenes extrañas e interesantes de máquinas y animales fusionándose.
Inventores creativos y caballeros ingeniosos y voluntariosos, es uno de los tipos de personajes más populares en steampunk.
El Los disfraces de personajes antiguos que combinan solemnidad y colisión carnavalesca pueden resaltar mejor la interesante dualidad de los personajes
Ciudades de la época victoriana Es una existencia que combina belleza clásica y belleza industrial
La inyección de elementos steampunk añade un toque de color ultrarrealista
El suave paisaje urbano está infectado por maquinaria y tecnología, dándole vida increíblemente etérea
Desde el estreno de "Star Wars". Desde 1997, ha permeado en casi todas las subculturas
Steampunk no es una excepción
Muchos artistas están obsesionados con diseñar vestuario para los personajes de Star Wars, e incluso crean grandes cantidades de temas de Star Wars
Por ello, Star Wars también ha adquirido una presencia importante en las ilustraciones steampunk
En el mundo steampunk los vehículos también son elementos muy interesantes
Suelen tener estos tres características de la historia: son inventos innovadores en la historia; a menudo se estropean, pero se pueden reparar en cualquier momento y en cualquier lugar, siempre se puede ejecutar nuevamente en el momento crítico.
Steampunk agrega muchos elementos a la guerra; trama de la historia, como naves espaciales, bombas de napalm, paquetes de cohetes, tanques, robots, etc. Todos ellos pueden usarse para luchar contra el enemigo
Esto también añade conflicto visual a las ilustraciones, haciendo que la batalla sea más estimulando el factor militante en el cuerpo humano. Los 45 estilos de diseño gráfico más completos
El estilo de diseño gráfico se refiere a trabajos de diseño con el mismo o similar material, forma, color y otras características. o técnicas de expresión.
Si te atreves a probar diferentes estilos de diseño gráfico, puedes romper la forma visual monótona, hacer que tu diseño sea más diverso y lograr un avance personal.
No existen rutinas ni patrones fijos en el estilo de diseño. Cada uno puede crear su propio estilo y forma únicos. Los 43 estilos enumerados a continuación se basan en prácticas anteriores y han logrado muy buenos resultados. y adecuado para diseño gráfico, diseño visual, diseño de empaque, diseño publicitario, diseño de impresión, diseño de interfaz de usuario, diseño de interfaz, diseño de animación, diseño PPT, etc., todos los diseños gráficos.
Como diseñador gráfico o principiante, conocer y comprender estos estilos de diseño puede ayudarnos a ampliar nuestros horizontes de diseño, por un lado, y por otro, también puede permitirnos clasificar e interpretar mejor lo complicado. diseños en el mercado Diseñar funciona y tener una idea creativa más amplia, de modo que ya no se preocupe por la forma del diseño visual y pueda continuar "ver, pensar, aprender, hacer y usar", permitiéndose así convertirse. un excelente diseñador lo antes posible. Entra en las filas.
¿Cuántos estilos de diseño gráfico existen? Para ser honesto, es imposible saberlo completamente, porque el estilo de diseño gráfico es siempre creativo, abierto y diverso. Pero de lo que estoy seguro es: los estilos enumerados a continuación son el resumen más completo que puedes ver hasta ahora y pueden ayudarte a establecer una clasificación de estilos en tu mente similar a la tabla periódica de elementos.
Antes de profundizar en estos estilos de diseño, permítanme explicarles primero el estilo de diseño internacionalista.
1. Estilo internacionalista
Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, el diseño gráfico vivió un breve periodo de estancamiento. Dado que la guerra trajo un gran trauma a varios países de Europa y Asia, excepto Estados Unidos, el diseño gráfico internacional tuvo poca innovación en estilo. La recuperación y el desarrollo gradual de la economía promovieron el desarrollo del diseño después de la Segunda Guerra Mundial, y la creciente internacionalización del mercado planteó nuevos requisitos para la apariencia y características internacionales del diseño. En la década de 1950, finalmente se formó un nuevo estilo de diseño gráfico en la República Federal de Alemania y Suiza, conocido como "estilo de diseño suizo" (SwissDesign).
Debido a que este estilo es simple y claro, y su función de comunicación es precisa, rápidamente se hizo popular en todo el mundo y se convirtió en el estilo de diseño más influyente y popular internacionalmente después de la Segunda Guerra Mundial. llamado "estilo de diseño gráfico internacional" (el Estilo Tipográfico Internacional).
El diseño gráfico internacionalista suizo realmente tomó forma en 1959 cuando Suiza publicó la revista "New Graphic Design". La publicación fue publicada conjuntamente por Vivalelli y otros tres diseñadores de Basilea: Charlie Rose, Joseph Müller Bruckmann y Hans Neuberger. Esta publicación, publicada en 3 idiomas (inglés, francés y alemán), se ha convertido en la posición básica del estilo de diseño gráfico internacionalista suizo, el centro y lugar de nacimiento del estilo de diseño gráfico internacionalista, y es de gran importancia en la historia del diseño gráfico. . El papel más importante de esta publicación es transmitir la exploración, la experimentación, la filosofía y los conceptos de diseño de los diseñadores suizos, y la nueva metodología de diseño gráfico suizo a los círculos del diseño de todo el mundo, influyendo así en los países de todo el mundo y promoviendo el diseño gráfico suizo. estilo de diseño para convertirse en estilo internacional.
Presentamos en detalle al líder espiritual del estilo de diseño gráfico internacionalista, Joseph Müller Bruckmann.
Trabajó como aprendiz en Zúrich de 1934 a 1936. En 1936 abrió su propia oficina de diseño, especializándose en diseño gráfico y expositivo, además de fotografía.
Después de la guerra, en 1945, se concentró en el diseño de espectáculos y el diseño de ilustraciones, diseñando decorados para varios teatros.
1951, cartel del concierto en la Sala de Conciertos de Zurich, Tonhalle-Gesellschaft, Zurich, 1951
1958, Suiza Editor y editor principal de "New Modern Design".
1957-1960, profesor en la Academia de las Artes de Zurich
1963, profesor en la Academia de Diseño de Ulm, Alemania
En los años 1960, el diseño visual del sistema de comunicación del Aeropuerto Internacional de Zurich (theSIGNAGEsystem, Zurichairport, finales de 1970)
En la década de 1970, el sistema de comunicación visual de los Ferrocarriles Federales Suizos (SwissFederalRailways, SBB)
Desde 1967 trabajó como consultor para IBM a 1988
Fallecido en agosto de 1996
Trabajos de diseño gráfico:
"Historia de la Comunicación Visual": 1971 "GeschichtedervisuellenKommunikation" (AHistoryofVisualCommunication)"
"Historia del cartel": Geschichte des Plakats" (Historia del cartel)
"Sistemas de cuadrícula en diseño gráfico": 1981 Publicado "Sistemas de cuadrícula en diseño gráfico".
" Carteles fotográficos: desde sus orígenes hasta el presente": 1989 Publicado "Fotoplakate-Vonden AnfangenbiszurGegenwart" (Carteles fotográficos desde sus orígenes hasta el presente)
Filosofía del diseño: perseguir el diseño absoluto, defender los principios de impersonalidad, sistematización, estandarización y pulcritud, abogar por el diseño con excelente función de comunicación como el propósito más elevado; para lograr el propósito de la comunicación, se deben ignorar las preferencias personales, los requisitos especiales del cliente y la presión publicitaria. Lo único importante es que el diseño refleje el sentido de los tiempos y la modernidad; el diseño debe tener el máximo propósito de transmitir excelencia funcional y estar lleno de vitalidad y viveza.
Su proceso de diseño gráfico es muy conciso y conciso, con un alto grado de funcionalidad de comunicación visual y un fuerte sentido del tiempo, sencillo y claro. Los materiales fotográficos que utiliza convierten la fotografía misma en elementos de diseño, dándole a la fotografía nuevas funciones. Sus collages fotográficos son muy fuertes, de estructura simple y resaltan el tema, permitiendo al público comprender el contenido transmitido por el cartel de un vistazo.
Enfatiza la misión social y la función del diseño. En este punto, como el fundador de la Bauhaus, tiene un color distintivo del movimiento de diseño modernista y es un diseñador plano que aboga por propósitos específicos de ingeniería social. Diseñó el sistema de comunicación visual del aeropuerto internacional de Zurich en los años 60 y el sistema de comunicación visual de los Ferrocarriles Federales Suizos en los años 70. Ambos son muy funcionales y fáciles de entender, lo que constituye la base de su filosofía de diseño. .
Hay que decir que las raíces del estilo internacionalista están en la misma línea que el movimiento de diseño modernista, especialmente estrechamente relacionado con la Bauhaus y el movimiento holandés "De Stijl". Dos figuras clave del movimiento de diseño gráfico internacionalista y del movimiento de diseño modernista, Theo Balmer (1902-1965) y Max Beer (1908-), fueron ambos diseñadores gráficos suizos graduados en la Bauhaus. Balmer fue uno de los primeros diseñadores en adoptar un enfoque completamente matemático para la construcción del diseño gráfico. Max Bill valoraba la coherencia y la unidad en el diseño. En 1950, Bill fue el primer presidente de la Hochschulefur Gestaltungin Ulm (la Hochschulefur Gestaltungin Ulm) en la República Federal de Alemania. La Academia de Ulm está en la misma línea que la escuela de diseño Bauhaus de antes de la guerra. El punto más importante es considerar el diseño como una parte integral de la ingeniería social y evitar la tendencia comercial simple y desnuda del diseño estadounidense. La Escuela de Diseño de Ulm jugó un papel decisivo en el establecimiento del estilo de diseño internacionalista.
Una parte central del estilo internacionalista formado en la década de 1950 fue el desarrollo y la adopción generalizada de tipos de letra sin líneas.
La nueva generación de diseñadores gráficos adopta una línea nueva, sencilla y sin adornos para lograr un alto grado de comunicación visual descarada. En 1954, Adrian Frutiger (1928-), un diseñador gráfico suizo que trabajaba en París, creó un conjunto de nuevas fuentes de líneas simples con 21 tamaños de fuente diferentes, llamadas "fuentes universales" (Univers). A principios de la década de 1950, Armin Hofmann colaboró con otro diseñador suizo, Max Medinger, para crear la "nueva carrocería Haas-Grotesque". En 1961, el nuevo Hasti se fabricó oficialmente en la República Federal de Alemania y su nuevo nombre fue "Helvetica". Esta fuente fue diseñada tan perfectamente que se convirtió en la fuente más popular desde los años 50 hasta los 70. Varias fuentes diseñadas por Hermann Zaff (1918-) durante las décadas de 1940 y 1950 se consideran avances importantes en el diseño de fuentes, como "Palatino (1950)", "Melior (1952)", "Optima 1958", el diseño de fuentes de Zaf alcanza un nivel que combina características funcionales con detalles elegantes. .
Como uno de los centros de diseño gráfico más importantes antes y después de la Segunda Guerra Mundial, las dos ciudades suizas de Basilea y Zurich desempeñaron un papel importante en la formación del estilo internacionalista y se convirtieron en un centro de diseño, con la aparición de diseñadores como Ai Importantes diseñadores gráficos como Mil Rudd (1914-1970) y Armin Hofmann (1920-). El estilo de diseño gráfico internacional de Suiza tomó forma realmente en 1959, cuando Suiza publicó la revista "Nuevo Diseño Gráfico". Esta publicación es la posición básica, el centro y el lugar de nacimiento del estilo de diseño gráfico internacionalista suizo, y juega un papel importante y una importancia en la historia del diseño gráfico.
El diseño gráfico internacionalista suizo causó un gran impacto en los Estados Unidos y se ha desarrollado rápidamente y se ha utilizado ampliamente en los Estados Unidos. La primera persona que promovió el desarrollo del internacionalismo en Estados Unidos fue Lor Martin (1922-). Comenzó a trabajar como diseñador gráfico en el Museo de Bellas Artes de Cincinnati en Estados Unidos en 1947. Abandonó los métodos de ilustración realista populares en los Estados Unidos en ese momento y adoptó el internacionalismo para diseñar exposiciones, publicaciones y carteles de museos. Otra persona que introdujo y popularizó el estilo internacional en los Estados Unidos fue el diseñador gráfico de Los Ángeles Rodolfo de Jarac (1924-). El estilo de diseño gráfico internacionalista suizo se hizo popular en los Estados Unidos en la década de 1950 y ha durado más de 20 años.
Después de que Estados Unidos adoptó el estilo de diseño gráfico internacionalista, mejoró enormemente la popularidad y la promoción de las publicaciones de ciencia y tecnología estadounidenses, y tuvo un papel importante y positivo en la promoción de la ciencia, la tecnología y la producción industrial de Estados Unidos.
¿Hemos visto si el diseño de Apple absorbe también la esencia de su diseño?
2. Estilo Apple
Concepto de diseño: sencillez, refinamiento, elegancia, Un sentido. de alta gama, tecnología y calidad (alta gama, grandiosa, alta gama)
Forma y método de diseño: en términos de combinación de colores, Apple es bueno usando dos colores, gris claro y gris oscuro. El gris claro de Apple no es un gris claro puro, sino un degradado a gris claro. En el diseño debemos intentar evitar la apariencia del negro puro, que resulta demasiado deprimente y hermético.
Para una empresa cuyo tono de diseño es la simplicidad y la sencillez, Apple también eligió fuentes sans-serif en negro plano. Las fuentes sans serif pueden hacer que el aspecto general sea más sencillo, más sencillo, más tecnológico y moderno.
Además, Siyuan Heidi también es una buena fuente alternativa.
El sitio web oficial de Apple utiliza negro plano y fuentes Myriad. La elección de la tipografía está relacionada con la estética de cada uno, pero también existen muchos axiomas. Por ejemplo, los sitios web y productos oficiales de las empresas de tecnología deben utilizar fuentes sans-serif negras para que sean visualmente más limpios y concisos.
Composición tipográfica: El texto principal siempre está en la posición visual más importante. Es decir, la copia de las características principales del producto debe mostrarse de forma centralizada.
Pérdida de espacio entre fuentes. Las fuentes están en negrita y resaltadas, y el tamaño y el color de la fuente (es decir, negro, blanco y gris) se utilizan para distinguir las fuentes primarias y secundarias.
Insista en un conjunto de redacción publicitaria y un conjunto de representaciones.
La ventaja de esto es que cada copia de las características del producto se puede implementar visualmente, lo que no producirá una experiencia de lectura aburrida y poco convincente con un estilo de diseño gráfico.
El estilo de diseño gráfico deja una gran superficie de espacio en blanco. Esto significa que la redacción se ha simplificado y también muestra que en el diseño, el diseñador ha dado a las imágenes del producto y a la redacción suficiente espacio para la extensión visual, lo que puede aportar una sensación visual muy limpia y espaciosa y desempeñar un papel muy importante en la mejora del temperamento general del producto.
¿El estilo de diseño de MUJI refleja algún estilo de diseño frígido basado en el estilo de Apple?
3. Estilo chino
El diseño de estilo chino incluye el estilo chino retro y el estilo chino moderno, que son ligeramente diferentes en forma de color.
Concepto de diseño: retro, tradición, encanto (que incorpora elementos y colores chinos)
Forma y método de diseño: el estilo chino clásico, es decir, el estilo de diseño gráfico chino retro, se basa en Diseño chino basado en la cultura tradicional. Los colores del estilo de diseño gráfico chino incluyen principalmente rojo, rosa, azul grisáceo, negro grisáceo, aguamarina, blanco, carmesí claro, negro oscuro, azul claro, amarillo claro, amarillo claro, etc. Los materiales tradicionales comunes del estilo chino incluyen nudos chinos y Porcelana azul y blanca, pinturas en tinta, patrones decorativos antiguos, caligrafía, corte de sellos, sellos, linternas, juegos de té, utensilios antiguos, arquitectura antigua, bronces, patrones de bronce, dragones y fénix, animales espirituales, festivales tradicionales chinos, etc., como. Siempre que sean elementos de la cultura tradicional china, se les denomina materiales tradicionales de estilo chino.
Estilo chino moderno (moderno, simple, grandioso), estilo de diseño gráfico de estilo chino moderno, es decir, estilo chino diseñado de acuerdo con la estética moderna, se basa en la cultura tradicional china y contiene una gran cantidad de elementos chinos. y se adapta a una forma de arte o estilo de vida de tendencia mundial.
Nodyoung es un artista diseñador. Podemos entender este estilo a través de él, por eso lo llamamos estilo NOD, es decir, Yang Yibing, hombre, 38 años, graduado de la Academia de Bellas Artes de Tsinghua. es un diseñador en Beijing. Un diseñador visual muy conocido en la industria. Ya cuando Lao Luo fundó la formación en inglés, fue invitado a diseñar carteles, lo que contribuyó en gran medida al marketing viral de Lao Luo English en ese momento. Al dar un discurso en el Teatro Historia de un Emprendimiento Idealista III ese año, Lao Luo también habló específicamente sobre cómo diseñó un cartel para sí mismo después de que Nod se uniera.
Concepto de diseño:
Novedoso, moderno, pictórico, hermoso (estilo cómico de Nodyong)
Forma y método de diseño:
Pasó el La forma de ilustración simple y en bloques de color combina gráficos y semántica de diseño para brindar a las personas un efecto sensorial novedoso y moderno.
5. Estilo de superposición ligero y transpirable
Concepto de diseño:
Ligero, degradado y denso.
Forma y método de diseño:
Estilo de diseño gráfico de superposición de degradado translúcido con sentido de la luz. El método de superposición incorpora un nuevo elemento visual: la sensación de luz. La gente siempre ha preferido la luz debido a sus propiedades claras, puras y reflectantes. La gente ya no está satisfecha con la simple superposición de colores, y los diseños que aumentan la sensación de luz agregarán atributos psicodélicos más futuristas a los productos. Esto se puede lograr fácilmente a través de Photoshop o software de inteligencia artificial.
Concepto de diseño:
Palabras clave: deconstrucción, antilógica, experiencia sinestesia.
Deconstruir el objeto principal para darle una nueva experiencia sensorial.
Formas y métodos de diseño:
Los objetos se componen de formas, materiales, colores, disposiciones y otras dimensiones. Si el objeto principal se reorganiza y deconstruye rompiéndolo, descomponiéndolo, superponiéndolo, etc., su impresión sensorial inherente se romperá lógicamente y se le dará al objeto un nuevo significado. Este método de deconstrucción de la sinestesia gráfica desencadenará la sinestesia de las personas en muchos aspectos como la visión, el gusto, el olfato, etc., provocando así la asociación y el pensamiento de las personas sobre la connotación profunda de la imagen.
![Sinestesia gráfica ps://)
Concepto de diseño:
Nostalgia, ficción, máquina de vapor
Forma y método de diseño :
El estilo de diseño gráfico steampunk es una palabra compuesta de steam y punk.
El vapor representa naturalmente maquinaria a gran escala impulsada por máquinas de vapor. El punk es una cultura marginal no convencional, escrita en un diálogo en lenguaje callejero. Su importancia radica en el estilo independiente del tema, más que en su naturaleza antisocial.
Las obras steampunk a menudo se basan en alguna hipotética nueva tecnología, como nueva energía, nueva maquinaria, nuevos materiales, nuevos medios de transporte, etc., para mostrar una visión imaginaria del mundo paralela al mundo occidental del siglo XIX. siglo, y nos esforzamos por crear sus características ficticias y nostálgicas.
Concepto de diseño:
El estilo hiperrealista también se llama estilo esqueuomórfico. Capas espaciales, encuadres de escenas, expansión de ilusiones ópticas, resolución de color extremadamente alta, precisión y detalle.
Forma y método de diseño:
Las obras de hiperrealismo prestan más atención a los detalles y objetos. La obra no es una interpretación estricta de un objeto real, ni una ilustración literal de una escena o tema. En cambio, utilizan otros elementos, a menudo sutiles, para crear la ilusión de una realidad que en realidad no existe o que el ojo humano no puede ver.
9. Estilo de reproducción de color sólido tridimensional
Concepto de diseño:
Sentido tridimensional plano, color sólido y sensación de espacio.
Forma y método de diseño:
Unifica el sistema de color de los objetos tridimensionales y aplana la imagen tridimensional.
Con la popularidad de C4D, la expresión tridimensional se ha vuelto cada vez más popular en el diseño. Sin embargo, en la era post-plana, cómo encontrar un equilibrio entre formas planas y tridimensionales es el foco de atención de todos, y la reproducción de colores sólidos tridimensionales es solo un buen intento.
El diseño espacial amplía la profundidad de la imagen, mientras que la reproducción de colores sólidos de los objetos mejora la tridimensionalidad de la imagen. El diseño elimina los factores que interfieren con la atención de las personas, dejando sólo la parte del tema que necesita transmitirse, lo cual es impresionante. Esta forma se ha vuelto popular en la fotografía y el arte tridimensional, y la imagen ritual hace que a los diseñadores les guste.
Concepto de diseño:
Personalidad, libertad, aspereza, misterio y frialdad.
Forma y método de diseño:
El estilo de diseño del loft industrial es el favorito de muchos jóvenes que buscan la individualidad y la libertad. Este estilo en sí mismo irradia características ásperas y misteriosas.
11. Estilo gótico
Concepto de diseño:
Altísimo, sombrío, extraño, misterioso, aterrador, exagerado, asimétrico, peculiar, ligero, complejo, multiforme. decorado.
Forma y método de diseño:
Las principales características del estilo gótico son imponentes, sombríos, extraños, misteriosos, aterradores, etc. Es ampliamente utilizado en arquitectura, escultura, pintura y literatura. , música, vestimenta, tipografías y otros campos del arte, el arte gótico es exagerado, asimétrico, peculiar, ligero, complejo y multidecorado. Se caracteriza por el uso frecuente de líneas que se extienden verticalmente, y sus principales elementos representativos incluyen trajes negros. Murciélagos, rosas, castillos solitarios, cuervos, cruces, sangre, gatos negros y más.
El gótico, también traducido como "Goethe", originalmente se refiere a los godos, una tribu germánica en Europa occidental; al mismo tiempo, el gótico también es un estilo artístico, que se utilizó por primera vez durante el Renacimiento. El estilo artístico del período medieval (siglo 515), su origen proviene de los godos alemanes que invadieron Italia y desintegraron el Imperio Romano en el siglo 35 d.C. En el siglo XV, los italianos tuvieron la idea de revitalizar la antigua cultura romana y desencadenaron un brillante movimiento renacentista, ya que los italianos no podían dejar de lado el odio histórico hacia los godos que destruyeron el Imperio Romano, para poder relacionarse. Para distinguir este período, llamaron al estilo artístico del período medieval "gótico", que significa "bárbaro". Aunque la palabra "gótico" tiene una connotación algo negativa, de hecho, una gran cantidad de El valor artístico del estilo gótico. funciona es muy alto.
Concepto de diseño:
El efecto de personaje tridimensional es muy simple y tosco. Puede resaltar rápidamente el tema y tiene un fuerte impacto. Se utiliza a menudo en promociones, celebraciones de apertura y. otras actividades. Si los detalles no se manejan bien, la calidad a menudo será deficiente.
Puede que no te guste este estilo, pero como diseñador, aún necesitas entenderlo, tal vez a tus clientes les guste.
Forma y método de diseño:
Utilice PS, AI, CDR, Rhino, C4D, 3dsMax y otros programas tridimensionales para realizar primero el diseño de fuentes y luego la síntesis de efectos especiales. Es decir, primero crea la fuente, luego crea un efecto tridimensional y luego incorpora algunos efectos especiales.
Concepto de diseño:
Diseño gráfico con estilo de síntesis de imágenes, lleno de creatividad y efectos geniales. Esto requiere requisitos relativamente altos en cuanto a la representación detallada de los materiales, la perspectiva y las luces y sombras.
Forma y método de diseño:
Con la poderosa función de procesamiento de imágenes del software Photoshop, no hay nada que no puedas hacer, solo lo que no puedes imaginar, a través de una gran cantidad de selección de material, canales, máscaras. Las cinco funciones principales de selección, filtro y estilo de capa se utilizan para sintetizar efectos especiales.
Concepto de diseño:
La escena de síntesis de imágenes construida a través de proporciones exageradas y perspectivas únicas está llena de creatividad.
Forma y método de diseño:
La selección de materiales, la síntesis de efectos especiales, el procesamiento de efectos de luz y el procesamiento de contraste son similares a las ideas del estilo de síntesis de imágenes, utilizando principalmente proporciones exageradas para lograr Este es un sentimiento surrealista.
Concepto de diseño:
La doble exposición es una técnica de disparo en fotografía. Se refiere a múltiples exposiciones sobre la misma película negativa. La película resultante está llena de misterio, imaginación y una atmósfera literaria y artística surrealista, que es indescriptible.
Forma y método de diseño:
Seleccione materiales y sintetícelos con efectos especiales del software PS; encuentre un retrato o una imagen de personaje con contornos claros y combínelo con otras imágenes temáticas para crear una imagen. Efecto de máscara de recorte, preste atención para ajustar la opacidad.
La doble exposición (Doble exposición) se refiere a múltiples exposiciones en la misma película. Es una habilidad imprescindible para muchas personas que entran en contacto con la cámara. Los misteriosos e indescriptibles efectos visuales a menudo vuelven adictas a las personas. lo. Las cámaras automáticas de gama media y alta actuales tienen múltiples funciones de exposición y se pueden configurar múltiples exposiciones mediante la configuración de funciones.
Concepto de diseño:
El estilo plano consiste en eliminar efectos decorativos redundantes, pesados y complicados, de modo que la "información" en sí pueda resaltarse. En cuanto a los elementos de diseño, se enfatiza la abstracción, el minimalismo y la simbolización. En el campo del diseño gráfico, utilizar elementos de estilo plano puede solucionar el problema de no disponer de materiales adecuados.
Forma y método de diseño:
Utilice software PS e AI para crear en forma de dibujo gráfico, modelado y combinación de colores.
El significado central del concepto plano es eliminar efectos decorativos redundantes, pesados y complicados. La manifestación específica es que se han eliminado la perspectiva, la textura, el degradado y los elementos redundantes que pueden crear efectos 3D, de modo que la "información" en sí misma puede resaltarse nuevamente como el núcleo. Al mismo tiempo, en cuanto a los elementos de diseño, se enfatiza la abstracción, el minimalismo y la simbolización.
Por ejemplo: El diseño de Windows, MacOS, iOS, Android y otros sistemas operativos ha evolucionado hacia el "diseño plano". Sus lenguajes de diseño incluyen principalmente MaterialDesign, ModernUI, etc.
El diseño plano, especialmente el sistema de telefonía móvil, se refleja directamente en: menos botones y opciones, lo que hace que la interfaz de usuario sea más limpia y ordenada, y es particularmente fácil de usar, brindando así a los usuarios una mejor experiencia de usuario. Experiencia en operación. Debido a que la información y cómo funcionan las cosas se pueden mostrar de manera más simple y directa, las barreras cognitivas se pueden reducir de manera efectiva.
El diseño plano no solo hace que la interfaz sea hermosa y concisa en los sistemas móviles, sino que también puede reducir el consumo de energía, extender el tiempo de espera y aumentar la velocidad informática. Por ejemplo, Android 5.0 utiliza un efecto plano, por lo que se le llama "el sistema Android más hermoso".
“FlatDesign” es el nombre en inglés de “diseño plano”. Este concepto fue propuesto por Google en 2008.
Sin embargo, existe mucha controversia en torno al nombre "FlatDesign", y el nombre "FlatDesign" que ve ahora no es completamente reconocido por todos.
Diferentes grupos empresariales han intentado utilizar otros nombres, como MinimalDesign, HonestDesign y Microsoft incluso lo llamó "Auténticamente Digital".
Concepto de diseño
: Generalmente se utiliza para aplanar gráficos o texto para aumentar el efecto tridimensional, que es simple y fácil de producir efectos.
Forma y método de diseño:
Utilice software PS e AI para dibujar gráficos básicos y cree manualmente proyecciones largas en PS. Este es el método más preciso, o utilice herramientas de mezcla de AI. Por supuesto, también puedes utilizar acciones PS ya preparadas para crear este efecto.
18. Estilo gráfico del texto
Concepto de diseño
: utilizando caracteres o letras chinos como elementos básicos, recombínelos para formar nuevos gráficos visuales. ¡Tiene efectos visuales muy intuitivos y está lleno de creatividad!
Forma y método de diseño:
Utilice PS, AI, CDR, C4D y otro software para combinar texto y forma;