¿Cuáles son los nombres de las pinturas de la Virgen y el Niño de Leonardo da Vinci y su introducción?

Las otras obras con temática de la Virgen incluyen "La Virgen de Garofano" (1475) y "La Virgen de Benoa" (1478, también conocida como "La Virgen de las Flores"). Representa la escena de la joven María sosteniendo al Santo Niño y jugando con él. La composición es simple y concisa, y la forma es natural y hermosa. En el primero, la Virgen tiene una expresión tranquila, sostiene una flor silvestre en la mano y provoca a los niños para que la agarren. Este último se considera un hito en la trayectoria creativa de Leonardo da Vinci. En el cuadro, la Virgen María sostiene al Santo Niño en sus brazos, con una sonrisa feliz en su rostro. El blanco, regordete y lindo Jesús se sienta en su regazo sostiene flores y divierte al bebé. La Virgen aquí ya no es una rígida Virgen medieval, sino que exuda la naturaleza maternal de una madre secular. Su sonrisa resume perfectamente la felicidad de una joven ante la realidad de su hijo. Al mismo tiempo, las ventanas en las paredes oscuras del cuadro, por un lado, muestran que la acción tiene lugar en el interior y, por otro lado, muestran el cielo azul claro fuera de la ventana, reemplazando así el tradicional colorido. "luz santa" sobre la cabeza de la Virgen, reemplazando "divinidad" por más "humanidad". Estas características continuaron más tarde en todas las pinturas de Leonardo da Vinci y también se convirtieron en las normas básicas para los temas creativos de maestros como Rafael y Correggio.

Las pinturas anteriores están casi listas para convertirse en obras maduras. Muestran que Leonardo da Vinci ha dominado la relación anatómica de la estructura del cuerpo humano, así como las características cambiantes de los movimientos, posturas y expresiones, al mismo tiempo, muestran que tiene una conciencia muy clara de la rareza y los cambios infinitos; de la naturaleza, y presta atención a su magnificencia. La combinación de variedad y la atmósfera que se creará en la creación hace que el fondo sea una parte inseparable de una pintura en lugar de un adorno prescindible, dándole así un sabor más poético. Esto arrasó con el estilo ingenuo y simple de la pintura italiana desde Giotto, lo que significa que el desarrollo artístico del Renacimiento en los últimos doscientos años experimentará un cambio cualitativo y ha llegado su apogeo.

En 1482, Leonardo da Vinci llegó a Milán y comenzó a trabajar para el duque, donde trabajó durante 17 años. Durante los "Diecisiete años en Milán", Leonardo da Vinci emprendió exploraciones pioneras en diversos campos del conocimiento humano. En cuanto a la pintura, Leonardo da Vinci creó "La Virgen de Lita" (1490, también conocida como "La Virgen que amamanta"), que es una pequeña obra en la que la Virgen está tranquila y hermosa, amamantando al Santo Niño. Su expresión es serena y tranquila. Los párpados bajos y los labios ligeramente fruncidos hacen que su expresión sea bastante tranquila, como si estuviera inmersa en una fantasía, lo que añade un atractivo especial a este rostro elegante y hermoso. Sin embargo, ¿no es éste un hermoso retrato del amor entre madre e hijo en el mundo? Además, el pintor colocó las manitas del Santo Niño sobre el pecho de su madre, dándole un toque de vida. La composición de este cuadro es similar a "La Virgen de Garofano" y "La Virgen de Benoa", pero es más encantadora, más grácil y más poética. Toda la imagen es concisa y vívida, y los cambios de luz y oscuridad de los personajes se capturan vívidamente. Las nubes fuera de las ventanas simétricas del fondo flotan sobre las montañas interminables, haciendo que la gente imagine la grandeza y la armonía de la Creación. Este es un tipo de paisaje preferido por los pintores.

La obra más importante de este período es "La Virgen de las Rocas" (1483). Se dice que existen dos pinturas de "La Virgen de las Rocas", la anterior se encuentra actualmente en el. colección de Francia el otro está en la Galería Nacional de Londres porque este último tiene algunos rastros del siglo XVI (como una imagen más grande, un método de pintura claro y oscuro muy definido y un halo superfluo, etc.). Se sospecha que participaron personas posteriores. Por eso, esta pintura del Museo del Louvre de París es especialmente importante.

El pintor planeó cuidadosamente la composición de la obra durante mucho tiempo, pero al mismo tiempo no parecía dispuesto a terminarla, lo que hacía a menudo. El artista pintó este cuadro en Milán. Originariamente era la parte central de un retablo de una capilla. El tema del cuadro no es nada especial. Las personas en el cuadro son un grupo de figuras cristianas tradicionales: la Virgen, el Santo Niño, Juan Bautista y un arcángel. Pero lo importante es que en este cuadro Leonardo da Vinci exploró con éxito por primera vez la integración del hombre y la naturaleza. En el cuadro no hay ni trono ni estructura de edificio. Las figuras están situadas inesperadamente en una pintoresca cueva rocosa, donde el paisaje juega un papel importante. En esta cueva, el pintor obviamente dedicó mucho esfuerzo. Por un lado, hizo que la pared de roca se reflejara en el agua clara y, por otro lado, dejó que las hojas de varias plantas la decoraran, como si fueran niebla. color dorado apareció a la luz del sol. Flores, hierba, agua, paredes de roca, estalactitas... un paisaje impresionante se despliega ante el espectador.

Esto es muy diferente de la representación tradicional de la Virgen. En tal atmósfera se encuentra la imagen elegante y cálida de la Virgen. El paisaje y las figuras se mezclan. En la imagen, la Virgen está en el centro, Juan Bautista a la izquierda y el Santo Niño y el ángel. a la derecha, formando una pirámide estable. La Virgen tiene los brazos extendidos. Con una mano sobre el hombro de San Juan, la otra, con la palma hacia abajo, hace un gesto significativo sobre el Niño. La mirada baja cayó sobre él. Los arcángeles detrás del Santo Niño se corresponden con gestos. Todo el cuadro es armonioso y vívido. Aunque se trata de un tema tradicional, su expresión y composición son únicas. La representación sutil de personajes y fondos, y el uso de pinceladas con apariencia de humo han alcanzado un nuevo ámbito en el realismo científico y el procesamiento artístico, marcando el comienzo del período creativo de Leonardo da Vinci.