¿La vida de Rafael?
Rafael nació en la localidad de Urbino, en el centro de Italia. Su padre era pintor de la corte, por lo que aprendió a pintar de su padre desde pequeño. Su madre murió cuando él tenía 7 años y su padre murió cuando él tenía 11 años. Trabajó como asistente de un pintor. Posteriormente, estudió las obras de artistas florentinos del siglo XV y absorbió activamente las ventajas y fortalezas de varios pintores. Formó su propio estilo artístico armonioso, claro, grácil y elegante y comenzó a emprender el camino de la originalidad. La madre de Rafael murió en 1491, cuando Rafael tenía sólo ocho años, y su padre se volvió a casar el 1 de agosto de 1494. A la edad de once años quedó huérfano y el tutor oficial de Rafael se convirtió en su único tío. Cuando era joven, estudié pintura con mi padre. Posteriormente estudió pintura en el estudio de Perugino y comenzó su carrera en 1500.
En 1504, Rafael, con 21 años, pintó las Bodas de la Virgen. Esta obra supera incluso a Perugino, con innovaciones en composición y creación de imágenes. Especialmente la modestia, la gracia, el equilibrio y la descripción del trasfondo de la Virgen María y su esposo José son obras raras.
Durante 1504, Rafael vivió en Florencia. Estuvo influenciado por la política local, el espíritu democrático y el humanismo. Al mismo tiempo, también estudió la composición de Leonardo da Vinci y la expresión física y el estilo de Miguel Ángel, que maduró su estilo y pronto se convirtió en un congénito de ambos.
Todos los retratos de la Virgen María que pintó reflejan los pensamientos humanistas de la ternura materna y la aptitud juvenil. Los más famosos son "Notre Dame de Ancy", "Notre Dame on the Grass" y "Notre Dame de Forino".
1513 -1514. Su gran óleo "Madonna Sixtina" está formado por un triángulo compuesto por la Virgen y los santos, solemne y equilibrado. María y Jesús demuestran la grandeza del amor maternal. Además, "La Virgen de la Silla" y "La Virgen de Alba" son obras suyas impecables.
En 1509 fue invitado por el Papa Julio II a pintar murales en el Vaticano, entre los que destacan los murales de la Sala de las Firmas. Estos murales representan respectivamente las cuatro actividades espirituales humanas de la teología, la filosofía, la poesía y el derecho. Sus obras están en plena armonía con la decoración arquitectónica, solemne, obvia y colorida. Entre sus obras importantes de este período también se encuentran "La expulsión de Eliodoro del templo", "Misa Bolshina", "El fuego de Borgo", "El triunfo de Galacia", etc. A los 23 años pintó un autorretrato y una Virgen Sixtina. Las obras representativas incluyen "Imagen de Castiglione", que representa a un erudito y "Muchacha con bufanda", que representa a una niña.
En la primavera de 1520, todavía estaba pintando "La Transfiguración" cuando estaba gravemente enfermo, pero no pudo terminarla a causa de su muerte.
Obras de Rafael
Las Bodas de Santa María
"Las Bodas de Santa María" es una famosa obra de Rafael. Cuando creó esta gran pintura de sacrificio, aún no tenía 265.438+0 años. El estilo de composición, el entorno y la disposición de los personajes de esta pintura son todos imitados por "Las bodas de los santos" del maestro Perugino. Además del estilo digno y elegante de la maestra, el modelado del personaje también comienza a revelar su estilo femenino único. La pintura es simétrica, con la celestial Iglesia Bautista poligonal al fondo. El uso extensivo de líneas horizontales, líneas verticales y curvas semicirculares crea una estética suave, concisa y brillante con cambios generales armoniosos. El pintor utiliza hábilmente la perspectiva para hacer que el espacio parezca de gran alcance.
El primer plano del cuadro sigue lleno de figuras simétricas, y el centro visual está presidido por el obispo que representa la voluntad de Dios. José puso el anillo de compromiso en la mano de María, y había dos grupos de hombres y mujeres jóvenes a izquierda y derecha. El grupo de mujeres detrás de María son sus novias y los jóvenes detrás de José son pretendientes. Llevan palos que simbolizan propuestas de matrimonio. Quien sostiene el palo en flor es el prometido de María. Fue el palo de José el que produjo una pequeña flor. Esta providencia angustia a otros pretendientes y a algunos incluso les enoja. El joven en primer plano rompe el palo que tiene en la mano desesperado. Esta es una escena dramática. Los hombres y mujeres del cuadro son todos hermosos y el autor utilizó muchas curvas cambiantes. La postura de la figura y los cambios en los pliegues de la ropa dan a la gente un aspecto elegante y femenino. El propio pintor quedó muy satisfecho con el cuadro y firmó por primera vez con su nombre.
San Jorge y el Dragón
En 1504, el rey Enrique VII de Inglaterra concedió a Rafael duque de Urbino, su ciudad natal.
"La Medalla del Guardián", para agradecer al Rey de Inglaterra, el Duque encargó a Rafael, que tenía 265.438+0 años, pintar un pequeño cuadro alabando a San Jorge, patrón de Inglaterra, y le pidió que dibujara a San Jorge en el cuadro El caballero guardián que mata al dragón. Rafael pintó varios cuadros sobre este tema, y éste es el más destacado, ya que expresa la propia personalidad artística de Rafael. El pintor dispuso la imagen en línea diagonal, con el caballo encabritado mostrando un movimiento ascendente, y San Jorge alzando su espada para matarlo, con un movimiento muy heroico. El pintor presta más atención a la forma de modelado de la pintura, pero carece del poder espiritual interno de los personajes y el temperamento valiente de la lucha desesperada, y no puede alcanzar la expresión espiritual de los personajes y los caballos en "La batalla de Angali" de Leonardo da Vinci. ".
Escuela de Atenas
En el magnífico salón de Lizhuang, se encuentran estrellas de la sabiduría humana. Son destacados eruditos y pensadores de diferentes épocas, diferentes nacionalidades, diferentes regiones y diferentes escuelas. Viven juntos en la misma habitación y participan en debates académicos libres y animados, lo que está lleno de una atmósfera de discordia entre cien escuelas de pensamiento y encarna la esencia del genio y la sabiduría humanos. Estructura de la imagen
Los personajes de la imagen son los antiguos filósofos griegos Platón y Aristóteles. Más de 50 académicos y celebridades se sienten atraídos por estos dos grandes filósofos, cada uno con su propia identidad y rasgos de personalidad. Representan las siete artes liberales de la civilización antigua: gramática, retórica, lógica, matemáticas, geometría, música, astronomía, etc. Los pintores elogian la búsqueda de la sabiduría y la verdad por parte de la humanidad, el elogio de las civilizaciones pasadas y el anhelo de desarrollo futuro. Cuando apreciamos esta obra maestra, es como entrar en el profundo mundo ideológico de la civilización humana. Este mundo ideológico fue abierto por el debate entre Platón y Aristóteles. Los dos venían de un pasado lejano y discutían ferozmente mientras caminaban.
Las posturas opuestas de arriba a abajo expresan claramente sus diferencias de principios en el pensamiento. Las figuras de ambos lados se combinan en estrellas que sostienen la luna en ambos lados, y sus expresiones se acercan a las de los dos eruditos que discuten el ensayo. Algunos escuchan atentamente y otros utilizan gestos para expresar sus opiniones, lo que refuerza el centro de la imagen. La figura central en el grupo izquierdo de la imagen es Sócrates, vestido con una túnica, mirando hacia la derecha, haciendo un gesto para explicar sus puntos de vista filosóficos; el joven vestido con una capa blanca, girando la cabeza y mirando al mundo con frialdad, es la ciudad natal del pintor; Urbi Francesco, el Gran Duque de Nuno; el anciano calvo sentado en los escalones detrás del Gran Duque es el gran matemático Pitágoras. Los adolescentes a su alrededor escribieron "Armonía" y diagramas de escala matemática en tablas de madera, mirando al anciano. atentamente al argumento de Pitágoras, dispuesto a registrarlo en cualquier momento; se dice que el hombre inclinado y mirándolo con un turbante blanco es * * * erudito Aveiro en la esquina inferior izquierda del cuadro, el hombre tendido sobre el pilar; En el muelle, el hombre del laurel escribe algo con atención. Algunas personas han sido designadas como Epicuro, el maestro de la gramática; en el cuadro, el hombre sentado en las escaleras en primer plano, con la mano izquierda apoyada en el rostro, meditando mientras escribe, detrás de él se encuentra un hombre; quien Volviendo la cabeza hacia Pitágoras. Señaló el libro como para probar algo. Era el retórico San Norcles. En el centro de la imagen yace un anciano semidesnudo en las escaleras. Era el filósofo cínico Diógenes. Esta escuela de pensamiento defiende que todo es insignificante excepto las necesidades naturales, por lo que este erudito sólo usa harapos para cubrir su cuerpo y vive en una caja de madera rota. La mitad derecha del cuadro está dividida en grupos. La figura central del grupo temático en primer plano es un anciano, el geómetra Euclides. Estaba agachado para hacer figuras geométricas sobre la losa de piedra con un compás, lo que despertó el interés de varios jóvenes estudiosos. El hombre detrás de Euclides, de espaldas al público y sosteniendo instrumentos astronómicos, es el astrónomo Ptolomeo; el anciano barbudo de enfrente es Bramante, el director artístico del Vaticano y de la ciudad natal de Rafael; el que viste una túnica blanca y un pequeño sombrero; es el pintor Sodoma. Detrás de Sodoma sólo queda expuesta la mitad de la cabeza y el cuello, y el propio pintor Rafael nos mira de costado. Durante el Renacimiento, los pintores eran mejores para representar a las personas que admiraban o maldecían en sus pinturas, y también les gustaba pintarse a sí mismos en sus pinturas para mostrar su actitud hacia los eventos en la pintura o para representar sus firmas. El muralista utilizó hábilmente los arcos como marcos naturales para sus pinturas. Al fondo está decorada la Iglesia de San Pedro, diseñada por Bramante, una frente a la otra. Los personajes del cuadro parecen salir de un pasillo largo y alto, y la perspectiva hace que el cuadro parezca alto y de gran alcance. Las líneas rectas de la columnata arquitectónica se integran con las curvas dinámicas de los personajes. La imagen es a la vez rígida y suave, con estatuas a ambos lados, lo que hace que la imagen esté llena de una profunda cultura clásica.
El pintor hace buen uso de los pasos para combinar muchos personajes de forma ordenada, haciéndolos reales y vivos. El cuadro sitúa al espectador en las filas de los santos. Esta escena a gran escala, numerosas figuras, gestos y expresiones vívidos, armonía de diseño, cambio y ritmo unificado llevaron la creación pictórica hasta el pináculo del Renacimiento.
Madonna en la Silla
El pintor prestó especial atención a los ojos de la Virgen. A menudo se dice que los ojos son las ventanas del alma. A través de un par de ojos, uno puede mirar el alma de la persona en el cuadro. La Virgen del cuadro de Rafael tiene un significado profundo. Hay una leyenda sobre estos ojos en movimiento: una vez, el pintor salió del Vaticano y vio a una niña que sostenía a un bebé debajo de los pilares de la puerta, que se parecía a su amada Fornalina. Fascinado por la mirada de sus ojos, cogió con entusiasmo un trozo de carbón, con la esperanza de dejar ese conmovedor momento en el lienzo para siempre. Miró a su alrededor y vio un barril vacío mirando al cielo junto a él, pero el pintor no pensó en ello. Rafael era muy bueno usando curvas para crear imágenes. Este cuadro se compone de varias curvas de diferentes longitudes, desde el marco redondo hasta la combinación de personajes, posturas, vestimentas y pliegues. La imagen general de la imagen da al espectador una sensación perfecta de plenitud, suavidad y alta armonía. La distribución cromática del modelado del pintor sigue básicamente el concepto cristiano, con el rojo y el azul como nota tónica. Porque en el cristianismo, el rojo simboliza el amor divino de Dios y el azul simboliza la verdad de Dios. Por eso, en las pinturas religiosas, el vestido de la Virgen María suele ser rojo y azul. En este cuadro, el manto de la Virgen es rojo, el manto es azul, el manto amarillo del niño Jesús y el rojo y azul del vestido de la Virgen forman tres armoniosos colores primarios, realzando así la magnificencia de los colores y el lujo del cuadro. .
En la era de Rafael prevaleció una tendencia filosófica neoplatónica, que no solo defendía que la belleza es eterna, sino que también perseguía la creación de una belleza ideal en el arte, a la que prestaban más atención las creaciones artísticas de los maestros humanistas. el descubrimiento de la vida. Tienen un sentido realista de la belleza en toda la belleza representada en el arte.